一點，能有多大？它可以是微不足道的幾何單位，也可以是藝術家眼中的無限宇宙。香港藝術三月，邦瀚斯兩大重頭戲 -「不止於紅：草間彌生日本單一藏家珍藏」專場拍賣（3月28日），以及「蕭勤：無限中之大我」展售會（即日至4月9日）便給出了最佳答案。
一位是隻身闖蕩美國紐約的日本當代藝術女王，另一位則是遠赴歐洲、將華人現代藝術推向世界的抽象先鋒。儘管兩位藝術家人生際遇各異，創作核心卻有共鳴。草間的無盡波點、蕭勤的禪學「龐圖」，皆以最純粹的「點」作為視覺語彙，在作品中探索自我與存在的本質，用有限之形，叩問「無限」這個宏大的哲學命題。
本次單一藏家專場，一舉帶來六件草間彌生從未在市場曝光的珍品，涵蓋畫布、雕塑、版畫與立體裝置，展現多元面貌。當中以HK$1,500萬 - 2,500萬估價領銜的《南瓜》，更是本季香港春拍唯一大尺幅草間紅色南瓜畫作。
蕭勤展售會則匯聚逾20件哲思之作，鋪陳出這位華人先鋒橫跨七個十年的靈魂之旅。
關尚鵬 Marcello Kwan｜邦瀚斯 亞洲區現代及當代藝術部主管
「不止於紅：草間彌生日本單一藏家珍藏」及「蕭勤：無限中之大我」預展現場
Lot 3｜草間彌生（1929）《南瓜》壓克力 畫布
創作時間：2000年
尺幅：60 x 72 cm
簽名：YAYOI KUSAMA 2000 南瓜（背面）
來源：日本私人收藏
估價：HK$15,000,000 - HK$25,000,000
草間自幼飽受家庭創傷與幻覺困擾，眼中萬物總是被密密麻麻的圓點吞噬。圓點微小，卻足以鋪天蓋地，將她淹沒，但她降伏恐懼的方法很特別：既然逃不掉，那就把全世界都畫滿波點。
在這場與幻覺的終生搏鬥中，南瓜成了她忠實戰友。她在自傳中憶述，南瓜那圓潤、樸實而略帶幽默感的形態，總能賦予她安穩的內心。
這份淵源，最早可追溯至她兒時生動清晰的幻覺情景：小學時與祖父到大型種子採集場參觀，偶然瞥見一顆人頭般大的南瓜，那南瓜竟栩栩如生地開口與她說話。
到了二戰及戰後時期，物資匱乏，草間每天以南瓜果腹，甚至吃到作嘔反胃。然而，這份帶著苦澀的時代記憶，沒有讓她厭棄南瓜，反而把之化為滋養創作的精神食糧。早在十七、八歲，南瓜已躍然紙上，草間將之投稿至地方上舉辦的縣展，後來更成為她畢生作畫的主題。
對她而言，南瓜不只是田野間的植物，更是助她抵禦精神折磨的堡壘：「我很喜愛南瓜。作為我自小的心靈居所，南瓜為我心帶來別具詩意的平和安寧。南瓜跟我說話，煥發莊嚴神聖的精神狀態。它們包涵了全人類共享的生活喜悅之源。這就是讓我繼續創作的南瓜。」
《南瓜》局部
本場領銜的大尺幅《南瓜》，創作於2000年。相較於常見的黃黑配色，市場的紅色南瓜數量較少，本作正是今季香港春拍唯一的草間紅色南瓜畫作。
這抹紅不是簡單的顏料搭配，背後藏著畫家的創傷記憶與幻象根源。初到紐約的她過得艱苦，睡在壞掉的門板上，在垃圾箱撿魚頭，甚至撿拾雜貨店丟掉的高麗菜葉飽腹。她回憶那時除了埋首於工作中，沒有任何辦法可以對抗飢餓和寒冷。
正是在這種狀態下，草間創造了「無限網」，如同苦行僧般，近乎瘋狂地不斷揮筆，織成了一張無邊無際的巨網。綿密至極的筆觸，縫製了一片浩瀚的虛無。
深紅與黑色的交織，正是草間於五十年代末抵達紐約時創作「無限網」的色調，也是觸發她畢生創作靈感的幻覺色彩：
「某日我看到桌布的紅色花紋，轉移視線後居然發現天花板、玻璃窗、柱子都出現一模一樣的花紋，整個房間都是，甚至連我的身體被一樣紅色花紋填滿，當時，我產生自我消融的感覺。」
草間彌生攝於紐約工作室，1961年，可見有眾多紅黑配色的無限網
「消融」是理解草間的關鍵詞，事實上也是她藉創作自我救贖的過程，透過執迷地繪畫「網」和「波點」，她得以「消融自我」，從中獲得平靜和生存動力。
畫中南瓜飽滿渾厚，與波點元素融合，這些大小不一、排列縝密的黑色波點，全憑畫家逐筆點染，藉由日復一日的重複勞動，她將焦慮轉化為平靜。而南瓜背後，是另一標誌元素 - 紅色「無限網」，這些線條綿密交織，彷彿一張天羅地網，將波點南瓜包圍。
在這片熾熱的紅色迷宮中，南瓜靜靜佇立。畫作乍看之下工整嚴密，彷彿尺規作圖，但只要走近細看，便能感受到，那些點與線絕非死板圖案，而是一筆一畫充滿溫度的生命呼吸。
2023年香港佳士得拍場，一幅同樣作於2000年的紅色《南瓜》，便以HK$4,030萬港元成交。
草間彌生《南瓜》，2002年作｜佳士得香港，2023年，HK$4,030萬港元成交。
Lot 2｜草間彌生（1929）《南瓜》壓克力 畫布
創作時間：1990年
尺幅：18.2 x 14.2 cm
簽名：Yayoi Kusama 1990 かぼちゃ（背面）
來源：日本私人收藏
估價：HK$2,000,000 - HK$4,000,000
另一幅作於1990年的黃色《南瓜》，正值草間藝術生涯的關鍵轉折點。
當時紐約國際當代藝術中心（CICA）為她舉辦的首次國際回顧展剛剛結束，這可謂立下草間重返國際舞台的重要里程碑；三年後，她更首度代表日本出戰威尼斯雙年展，自此奠定在國際當代藝壇的地位。
到了1998年，「永恆的愛：草間彌生，1958-1968年」展覽開幕，巡迴紐約現代藝術博物館（MoMA）、洛杉磯郡立藝術館（LACMA）及東京等國際頂尖美術館。翌年，她更舉辦高達13場個展，一時風頭無兩。
然而，在迎來這些掌聲之前，草間曾走過一段漫長的幽谷。早年在紐約參與前衛藝術運動時，草間雖在當地打響名堂，但因行為驚世駭俗，一直被日本社會視為醜聞，認為她離經叛道，更被媒體冠上「醜聞女王」、「裸體的幕後黑手」等稱號。
直到1973年，伴隨著父親以及愛人Joseph Cornell的離世，加上精神狀況惡化、身心俱疲的草間決定歸國，並自願入住東京新宿晴和病院。在這段相對沉寂的時期，她重新擁抱了童年時的溫暖意象 - 南瓜。
此南瓜畫作同樣集齊草間的三大經典元素：南瓜、波點、無限網，以及經典配色：明艷的黃與純黑波點，形成強烈對比。畫中的飽滿南瓜，表皮攀附著無數黑色波點，沿著南瓜的天然坑紋漸變縮放，連綿聚集，立體生動。
綿延不絕的網紋將南瓜簇擁其中，草間將自己的脆弱化為力量，將深沉的幻覺體驗呈現於畫布之上，創造出無數波點與網狀的萬花筒世界，持續的創作見證著她如何在無始無終的斑駁中，尋求自我的消融。
Lot 1｜草間彌生（1929）《無題》綜合媒材 雕塑
創作時間：1985年
尺寸：10 x 10 x 9.4 cm
簽名：YAYOI KUSAMA 1985（底部）
來源：日本私人收藏
估價：HK$600,000 - HK$900,000
提起草間的南瓜雕塑，腦海中第一時間浮現的，或許是瀨戶內海直島上那兩顆靜靜面朝大海的巨型南瓜。惟遠在這些國際打卡地標的誕生之前，草間早就在構築她的南瓜宇宙。
八十年代，草間陸續創作出一系列經典南瓜作品。然畫布上的無盡蔓延，終究裝不下草間腦海洶湧的幻象；她投入立體創作，試圖將那份精神寄託化為觸手可及的實物。
1985年的南瓜雕塑《無題》，有別於玻璃鋼或青銅大型雕塑的金屬質感，這件僅10cm見方的綜合媒材雕塑，能輕巧地置於掌心，多了一分生命力。
仔細看，它的身形並不工整，沒有所謂標準的完美比例；表面的波點也是一筆筆人手繪上，大小錯落有致。這些未經修飾的微小細節，令它有別於流水線下的產物，讓這獨一無二的小南瓜顯得更加憨態可掬。
直島巨型南瓜雕塑
Lot 5｜草間彌生（1929）《Nets B.O》絲網版畫
創作時間：1997年
尺幅：65 x 50.3 cm
簽名：13/100 Nets B.O 1997 Yayoi Kusama （底部）
來源：日本私人收藏
估價：HK$80,000 - HK$130,000
1979年，草間彌生首度對外展出版畫作品。版畫的可複製性質，恰好與她追求不斷複製的藝術哲理不謀而合。當時草間從美國歸日，筆下畫作與小說多以死亡為主調；然而，她的版畫作品往往色彩斑斕、圖騰鮮明。透過版畫，她能將自身的幻覺視野無限擴展、複製。
在《草間彌生全版畫》（Yayoi Kusama Prints 1979-2017）的前言中，她寫下「自從我被版畫的魅力所吸引，我一直在製作版畫，不斷地被製作過程中所產生的光彩所震撼。」
1997年誕生的《Nets B.O》正是「無限網」斑斕變奏的例子。回顧草間五十年代在紐約初創的無限網，多以單一色彩（如純白或鮮紅）反覆堆疊，透著一股苦修般的執著。
在這幅作品中，罕見地交織了黃、藍、綠、紫四色。草間先將四種色交錯地鋪滿畫布，再一筆一筆地畫上黑色弧線，密集的彩色網眼或大或小，動勢各異，如同無盡的細胞分裂，將觀者的視線深深吸附於錯綜複雜的迷宮之中。
Lot 4｜草間彌生（1929）《螢火蟲》絲網版畫
創作時間：1999年
尺幅：59.5 x 47.5 cm
簽名：34/100 ほたる 1999 Yayoi Kusama（底部邊緣）
來源：日本私人收藏
估價：HK$80,000 - HK$130,000
緊接著在1999年問世的絲網版畫《螢火蟲》，同樣是標誌性的無限網與圓點交織。深邃的黑色網紋攀附於墨綠底色之上，色彩在層層疊加中展現出由深至淺、再由淺入深的幽微漸變。
這種精妙的明暗交錯手法，巧妙利用了深濃的底色，將淺綠色的網眼映襯得格外明亮。錯落有致的層次，賦予了畫面一種動態的呼吸感 - 彷彿有無數綠色的微光正跟隨節奏一閃一閃地躍動，讓整幅畫宛如一片幽暗深邃的森林，靜靜散發著螢火蟲那神秘而迷人的點點螢光。
當中躍動著無數明艷的紅色波點，由中心聚集後向外散開，散發出寧靜且神秘的氣息，讓觀者不自覺地被悄悄帶入畫的意境之中。
螢火蟲這個充滿詩意題材，後來更被草間進一步延伸，跳出平面載體，發展成震撼視覺的裝置藝術。2002年，在Louis Vuitton贊助的《草間彌生回顧展》下，草間於紐約惠特尼美術館（Whitney Museum of American Art）打造出名為「水上螢火蟲」（Fireflies on the Water）的大型鏡屋。
在四面鑲滿鏡子的昏暗房間裡，虛實難辨，天花板垂吊著150盞微型燈泡，光芒在底部的靜水與四周鏡面間無限折射，讓人彷彿置身無邊無際的螢火蟲之海，又像是浩瀚銀河、星空，觸手可及。
Lot 6｜草間彌生（1929）《鏡盒：類型 A》絲印油墨盒子 鏡子 有機玻璃 鐵球及鏡片
創作時間：2001年
尺寸：14.3 x 14.3 x 16.5 cm
簽名：Yayoi Kusama（盒子）；80/280（盒子背面標籤）
版數：80/280
來源：日本私人收藏
估價：HK$20,000 - HK$40,000
草間從不只在平面上作畫，她更渴望讓人親身走進她眼底的無垠宇宙。這類風靡全球的「無限鏡屋」，總讓人排上幾小時的隊，只為進去迷失片刻。
2001年打造的立體裝置《鏡盒：類型 A》，僅憑14.3cm的大小便巧妙構築出一間微觀宇宙。這個小巧方盒外壁佈滿黃黑圓點，內部四面鑲嵌鏡片，並安放著數顆鐵球。
這件波點小盒的精妙絕非一眼能看穿，玄機就在盒子側面那道突出的黑色管道。
當觀者的視線順著管道進入，內部的鐵球在層層鏡面折射下無限複製與延伸，一個原本盈握在手的微小空間，在這一窺之下，竟巧妙幻化成深不見底的無垠宇宙，宛若置身巨型鏡屋中。
從盒旁的黑色管道向內窺探，在鏡子的反射下，鐵球數量無限延伸，眼前景象如身處鏡屋一般
方盒不設上蓋，可從上方直望盒內佈局
草間彌生用無盡蔓延的波點，對抗內心恐懼，她將創傷與幻象傾瀉而出，覆蓋世間萬物；這不僅是她的求生本能，更是她對這個世界的詮釋 - 藉由向外無盡的重複，將自我消融於天地之間。
蕭勤，卻反其道而行，他將畢生的哲思與萬千想法，不斷濃縮、提煉，將浩瀚無垠的宇宙濃縮成一記純粹的「龐圖」（Punto，意大利文，解作「點」）。這是一種「大道至簡」的禪學境界，捨棄了所有繁複的表象。對他而言，這微小的一點，就是天地初開的「道」，也是通往「無限」的入口。
Lot 9｜蕭勤（1935-2023）《潛》壓克力 畫布
創作時間：1961年
尺幅：140 x 110 cm
來源：亞洲私人收藏
Lot 2｜蕭勤（1935-2023）《伏》壓克力 水墨 畫布
創作時間：1961年
尺幅：140 x 110 cm
來源：亞洲私人收藏
1956年，蕭勤遠赴西班牙，正式踏上藝術征程。冷戰年代，東西方文化劇烈碰撞，但他並未迷失於西方前衛洪流，反而向內尋求自身的文化本源，牽頭創立了華人藝術史上首個抽象繪畫團體「東方畫會」，與其他7位成員被喻為「八大響馬」。
「東方畫會」舉辦了第一屆「東方畫展 - 中國、西班牙現代畫家聯合展出」，帶來成員作品及許多件西班牙前衛藝術家的作品，首創中西畫家聯展以及首開國內繪畫團體出國展出的先例。後來，「東方畫會」於海外舉行超過三十次畫展，引領台灣藝術以嶄新的姿態踏上國際舞台。
蕭勤年少時跟隨版畫家周瑛學習，亦曾向朱德群學習素描，由後印象派入門
六十年代，蕭勤的創作迎來蛻變。
他在米蘭發起「龐圖國際藝術運動」，在世界各地11個國家舉辦了13場藝術展覽，吸引了許多國際先鋒藝術家參與。蕭勤憑藉此舉，將東方的老莊哲學與靜觀精神推上歐洲對話桌，這是戰後西方唯一由亞洲藝術家發起、以東方哲學為思想宗旨的國際前衛藝術運動。
以同年創作的《潛》為例，土黃色的底色刻意保留乾澀筆觸，三層色澤的龐圖，宛如宇宙初生的火種；另一幅《伏》同樣用色大膽，以明艷的西瓜紅為底，頂端一枚綠色半圓緊貼畫布邊緣，似乎暗示著畫框外未知的無限空間，下方一道率性白痕疊加了狂草以及水墨留白之韻。
Lot 10｜蕭勤（1935-2023）《光之躍動-14》壓克力 畫布
創作時間：1963年
尺幅：110 x 140 cm
來源：亞洲私人收藏
Lot 3｜蕭勤（1935-2023）《太陽幻覺-1》壓克力 畫布
創作時間：1965年
尺幅：130 x 160 cm
來源：亞洲私人收藏
隨著對東方哲學的探索愈發深入，蕭勤同時吸收了戰後前衛的硬邊與歐普藝術元素，將創作核心轉向更本源的「炁」與「能量」，也捕捉更多光與色彩，展現出更為鮮活的生命力。
在《光之躍動-14》中，波浪線將畫面一分為二，紫粉色的穹頂佈滿流星般的書法筆觸 - 橫、豎、撇、捺，這些漸變深藍線條，彷彿劃破夜空。轉看《太陽幻覺-1》，背景如歐普藝術般尖銳交錯的橙藍條紋，中間懸浮著三層同心圓，彷彿在躁動的宇宙中守住一方寧靜。
而在《光之力》中，漆黑的背景佈滿密密麻麻的綠色星斑，宛如宇宙星空。畫面上方，由綠色與淺啡色相間的V字型線條層層疊加而成，尖端指向畫面下方的一枚多層顏色的同心圓。
這些畫作反覆出現的同心圓，猶如佛教的曼陀羅（Mandala），曼陀羅梵文意指「圓」或「中心」，又譯作「壇城」，是象徵宇宙宏大秩序與精神圓滿的神聖圖騰。構圖多由中心向四周放射對稱，方圓相間且幾何精密，層層勾勒，把三千世界化成一幅縮影。
曼陀羅亦是一種儀式，象徵供奉以須彌山為核心的宇宙。喇嘛會耗費數日至數月，以百萬計的彩色細沙勾勒出宏偉的佛國宇宙 - 沙壇城。然而，這絢爛的藝術卻在儀式結束後被毫不猶豫地掃除，沙粒被傾倒入河。這一聚一散的過程，不僅象徵萬物回歸本心，更深刻詮釋了世界萬法的「無常」與「空性」。
Lot 12｜蕭勤（1935-2023）《光之力》壓克力 畫布
創作時間：1965年
尺幅：160 x 130 cm
來源：亞洲私人收藏
Lot 21｜蕭勤（1935-2023）《無限中之大我》壓克力 畫布
創作時間：1967年
尺幅：75 x 90 cm
來源：亞洲私人收藏
蕭勤借用這個古老圖騰，畫出了無形的宇宙能量與「炁」，引導觀者收攝心神。
「道生一， 一生二，二生三，三生萬物。萬物負陰而抱陽，沖氣以為和。」在道家哲學中，「炁」是一種形而上的先天能量，是萬物生滅流轉的原始動力與「道」之本源。這並非人體後天呼吸的「氣」，而是存在於宇宙萬物間生生不息的療癒能量流，所謂「炁聚則生，炁散則亡」。
蕭勤不僅在畫布上將這股無形之「炁」化為充滿生命力的視覺張力，更付諸行動。1989年，他在丹麥哥本哈根發起「國際SHAKTI」（炁）運動，並舉辦第一屆「Shakti」展覽，將這深邃的東方宇宙觀推向了國際舞台。
《無限中之大我》畫面中央，一枚「龐圖」靜立於熾烈如焰的鮮紅之中。這不僅是覺醒的印記，更映照出佛家思想中小我融入大化、個體消融於宇宙的境界。他以極簡的形狀，穩穩托住了無垠的哲思。
晚年回顧這段探索期，他曾如此感嘆：「這是我六十年代精神能量的最強體現，匯聚我的閱歷與人生觀念。整個過程之中，我一邊創造，一邊感悟，最終將我昇華到另一境界。」
Lot 13｜蕭勤（1935-2023）《莎芒妲之昇華-13》壓克力 畫布
創作時間：1991年
尺幅：160 x 130 cm
來源：亞洲私人收藏
Lot 20｜蕭勤（1935-2023）《心境-2》壓克力 畫布
創作時間：2016年
尺幅：200 x 270 cm
來源：亞洲私人收藏
1990年，愛女莎芒妲意外離世。錐心之痛令蕭勤停筆長達九個月。當他再次站到畫布前，全副心神已潛入禪學。畫中褪去了早年的銳利鋒芒，轉而透出一種超越生死的空靈。
《莎芒妲之昇華-13》中，氤氳的紫色漫過大半畫布，散落淺藍星斑，紫紅色線條如流星雨般垂直落下。畫面最下方，一抹純白與暖橙靜靜托底，透出一種「獨與天地精神往來」的浩瀚與超然。
蕭勤的晚年畫作更顯宏觀大氣，2016年的《心境-2》在一片純黑的背景裡，畫下一個佔據半幅畫布的巨大「慧眼」。這帶有尖角的橢圓由十層色彩層層包覆，下方灑落星雲白光，似靜觀宇宙流轉。這幅寬近三米的磅礡巨作，透著徹底釋懷的平靜與浩瀚。
正如古老的拉丁諺語所言：「循此苦旅，以達天際」（Per aspera ad astra）。回顧蕭勤七十年的創作軌跡，作畫不僅是藝術，更是一場人生修行。他在世事變幻中，藉由畫布上的圓點，走出一條澄明的悟道之路。
拍賣詳情
拍賣行：香港邦瀚斯（香港皇后大道東50號太古廣場六座十樓）
專場：不止於紅：草間彌生日本單一藏家珍藏
預展：即日至2026/3/28｜10am - 6pm
拍賣：2026/3/28｜6pm
展售會：蕭勤：無限中之大我
展期：即日至2026/4/9｜10am - 6pm