一顆圓點，若只出現一次，或許只是隨手一畫；但當它重複千遍、萬遍，佈滿整個畫布，究竟是失控的徵兆，還是另一種嚴謹的秩序？
看似矛盾的命題，貫穿了整個藝術史——從草間彌生無法遏止的幻覺南瓜，到巴斯奇亞叩問人類文明的狂放筆觸；從塞尚以形狀重構萬物的水果靜物，到李希特刻意抽離情感、卻又暗藏歷史傷痕的刮刀抽象。每位藝術家都在感性的洪流與理性的框架之間，尋找屬於自己的美學世界。
這種拉鋸往往是傑作誕生的關鍵。石田徹也以外科手術般精準的手法，剖析現代社會暗藏的荒謬與焦慮；趙無極融會東方古老符文與西方油彩氣象，在畫布上重塑宇宙星河；馬賽賽‧何以幾何線條讚揚勞動女性；劉野則用冷靜幾何描繪童話寂寥。
將於9月29日舉槌的佳士得香港二十及二十一世紀藝術晚拍，正是這場跨時代、跨文化對話的最佳見證。
草間彌生（1929年生）《A-南瓜（YHP）》壓克力 畫布
創作時間：2011年
尺幅：130.2 x 162 cm
估價：HK$48,000,000 - 68,000,000
如果有人把同一個圓點畫上千遍，是失控，還是另一種秩序？縱觀草間彌生的創作軌跡，彷彿始終游走於這兩端之間，而《A-南瓜（YHP）》正是這場拉鋸戰中的無聲證詞。
碩大的黃色南瓜穩穩佔據視野，飽滿瓜身向左右伸展，瓜稜起伏，如緩緩推移的波浪。千百圓點鋪滿瓜身，看似隨機散落，實則有著精密的比例邏輯，每一顆的大小都服膺於曲面起伏的規律，令平坦的畫布生出鼓脹渾圓的立體錯覺。
漆黑底色之上，一筆又一筆黃色短弧彼此銜接，一道尚未完結，下一道已緊隨而至。畫布彷彿只是截取了浩瀚網海的一隅，真正的邊界仍在畫外無限延伸。
然而，這片井然有序的圓點與網紋，卻是來自草間腦中無法控制的幻覺。
草間彌生於今年八月辭世｜© Yayoi Kusama. Courtesy of Ota Fine Arts, Tokyo/ Singapore; Victoria Miro Gallery, London; David Zwirner, New York
本作局部
童年時，草間久久凝望家中的花紋桌布，惟移開視線後，布面上靜止的花朵彷彿忽然有了生命，一路爬上牆壁、越過天花板，不斷蔓延，最終連她自己的身體也被捲入其中——皮膚被圖案吞沒，自我與外界的界線徹底消融，仿如整個人被無盡花紋吸走。
這種幻覺足以令人徹底崩潰，惟草間沒有屈服，而是以理智的藝術創作迎擊。
五十年代末，草間隻身闖蕩紐約，把幻象中反覆吞噬視野的花紋，轉化成一筆一筆細小弧線，千百道筆觸串連一起，編織成永無休止的「無限網」，既令她在西方藝壇一舉成名，也讓她藉以自我消融、自我救贖。
草間彌生《南瓜（LPASG）》130.3 x 130.3 cm｜佳士得香港，2021年，HK$62,540,000
南瓜的緣起同樣帶著神秘色彩。草間兒時在農場瞥見一顆南瓜，走近細看，人頭般大的果實竟栩栩如生地向她開口說話。二戰匱乏時期，她幾乎每天以南瓜果腹，甚至吃至反胃作嘔。
然而，這段苦澀記憶並沒有令她自此厭棄南瓜：「南瓜為我心帶來別具詩意的平和安寧。」自此，這種其貌不揚的農作物，逐漸成為陪伴一生的創作主題，也是她與現實世界和解的重要橋樑。
畫布上的理智，也延伸至草間的現實生活。1970年代起，這位「波點女王」自願入住精神療養院，縱使幻覺始終未曾真正消散，仍然可以每天執筆創作，尋求內心平靜。
草間以理性的藝術創作，馴服了原本失控的感官洪流，令全世界為之共鳴。2021年，《南瓜（LPASG）》在佳士得香港舉槌，一度以HK$6,254萬刷新草間拍賣紀錄；同場拍賣，一樣是黃黑調的巨型《南瓜》雕塑以HK$5,545萬易手，亦一度打破藝術家的雕塑成交紀錄。
石田徹也（1973-2005）《體液》壓克力 油彩 畫布
創作時間：2004年
尺幅：45.5 x 53 cm
估價：HK$2,400,000 - 3,400,000
草間在極度混亂的精神幻覺中，藉著藝術建立視覺秩序之美。石田徹也則以外科手術般的精準手法，剖開冰冷有序的社會表象，描繪出底下難以遏抑的荒謬與焦慮。
本作之中，青年與洗手盆融為一體，頭部化成水龍頭，神情木然，眼淚卻不斷流下，流露出無聲的哀傷。雖然雙手環抱成盆壁，但在他體液中滋養生長的巨蟲，卻掙扎著想要爬牆而出。
如此畫像，令我們想起魔幻寫實主義作家卡夫卡的《變形記》，主角一覺醒來變成蟲豸，因為無法再工作賺錢，與社會斷絕來往，被家人所厭惡唾棄，最後在絕望與傷痛中孤獨地死去。
《變形記》於1915年發表，是超過一個世紀前的小說；本作《體液》問世至今二十多年，世界也經歷了翻天覆地的改變。然而，兩者同樣引發我們對「存在」的疑問與反思。
平塚市美術館於2014年舉辦展覽時展示的石田徹也照片
九十年代，日本泡沫經濟爆破，本來繁榮蓬勃的社會陷入蕭條崩潰。石田徹也在這段「失落的十年」長大，塑造了他創作中獨特而荒誕的超現實風格。
石田筆下男子千人一面，悉數以他本人的臉孔為藍本，神色空洞呆滯，身體往往與死物或機器化為一體，諷刺人類在體制與企業的壓榨下，變成齒輪般的消耗品；場景多半發生在密閉的灰暗空間，營造出難以名狀的恐懼感，暗示我們無處可逃的殘酷現實。
石田曾經從事廣告與商業設計工作，畫作結構有條不紊，整齊乾淨。充滿空間秩序的寫實風格，用來描繪如此荒謬的人類困境，更添一種陰鬱且不寒而慄的震撼力。
這位天才三十餘歲就撒手人寰，短短十年創作僅留下不足220幅畫作存世，扣除美術館藏後數目更為稀少。在人工智能冒起的時代，他的作品更令我們感同身受，個人拍賣紀錄於兩年前在香港刷新，金額首度突破HK$1,000萬。
尚·米榭·巴斯奇亞（Jean-Michel Basquiat，1960-1988）《古代科學家》壓克力 油畫棒 複印及紙本拼貼 畫布
創作時間：1984年
尺幅：169 x 156 cm
估價：HK$56,000,000 - 76,000,000
畫面撲面而來的，是一種近乎失控的視覺能量——粗獷的線條、原始的筆觸、看似隨意的塗抹、充滿爆發力的色彩。這股狂放不羈的氣質並非憑空而來，而是深植於巴斯奇亞的成長軌跡。
七十年代末，少年巴斯奇亞與夥伴以「SAMO」（same old shit的意思）之名，在紐約下城區噴塗充滿哲思與諷喻的標語，遊走於警察與藝評家之間的灰色地帶。這段街頭創作的歷練，賦予了他日後創作中那種即興且拒絕修飾的視覺語言。他鮮少草擬底稿，線條、符號、文字往往隨著靈感爆發，直接繪畫、堆疊、反覆塗改而成，猶如即興演奏的爵士樂章。
這種美學傾向亦來自他從名家身上汲取的種種養分——巴斯奇亞從抽象表現主義巨匠托姆布雷（Cy Twombly）的潦草書寫性筆觸獲得靈感，受到杜布菲（Jean Dubuffet）「素人藝術」不加修飾的精神影響，並為勞森伯格（Robert Rauschenberg）拼貼手法所啟迪。
然而，若僅止於表面的狂放，巴斯奇亞不會成為當代藝術史上無法迴避的名字。畫布之下，其實潛藏著極為縝密的批判思維與龐雜精深的文化參照。同一個議題，學者或許窮盡數萬字論文鑽研，這位天才則選擇以藝術作答。
左：本作局部；右：「維倫多夫的維納斯」雕塑，維也納自然歷史博物館
本作局部
《古代科學家》左側的男人、即畫題所指的「科學家」，戴著一副非洲部落面具。巴斯奇亞深諳畢加索如何受到非洲面具與原始藝術影響，把人臉與物體解構為幾何平面，促成立體主義的誕生。他向這位大師致意的同時，似乎又發出提問：立體主義震撼藝壇，聞名天下，可是非洲文明本身在藝術史的敍事中，又佔據著怎樣的位置？
畫面右方是誇張放大的女性特徵，碩大的乳房和隆起的腹部令人聯想到舊石器時代的「維倫多夫的維納斯」。這件遠古雕塑被視為人類美學與象徵思維的重要證物，巴斯奇亞在這裡把「生育」與「豐饒」的原始崇拜，悄然嵌入畫布之中。
人體結構的描繪與奪目的色彩，則可追溯至他的童年。六歲時，巴斯奇亞車禍受傷住院，母親送給他一本《格雷氏解剖學》。他從書中的精密插圖，以及達文西等文藝復興巨匠對人體的科學描繪獲得靈感，並將它們轉化到自己的作品之上。
畫作下方是中世紀植物學圖譜風格的拼貼圖像，包括被稱為「所多瑪蘋果」的茄屬植物及無花果葉。兩者結合上方的男女圖像，明顯指向亞當與夏娃嚐食禁果、即人類墮落之初的故事。蘋果這個符號，又把我們的思緒引領至家傳戶曉的科學家牛頓身上。
巴斯奇亞攝於1984年｜Photo：Brad Branson
巴斯奇亞《未來科學對決人類》，152.5 x 152.5 cm｜倫敦佳士得，2023年，£10,430,000
原罪、原始崇拜、非洲藝術、中世紀植物學、文藝復興、啟蒙時代、立體主義……本作探討的命題橫跨整個西方文明起源、宗教神話、藝術科學。然而，若果我們像畫中那位戴上非洲面具的科學家一樣，以黑人視角出發，這一切又會是怎樣的世界觀？怎樣的臉孔才配得上站在人類知識史中心？
如果把《古代科學家》與他兩年前、即1982年創作的《未來科學對決人類》（Future Sciences Versus the Man）並置解讀，更能窺見巴斯奇亞對人類演進的叩問。
1984年是巴斯奇亞藝術生涯的重要轉捩點，他在紐約傳奇畫廊Mary Boone Gallery舉辦個展，標誌著這位街頭塗鴉少年搖身成為備受矚目的藝壇新星。同年的佳士得拍賣會上，他的畫作以US$19,000售出，如此金額對當時的年輕黑人藝術家來說無疑驚人。這段時期，巴斯奇亞也與安迪沃荷（Andy Warhol）聯手創作，成為紐約藝壇佳話。
這一年的巴斯奇亞作品同樣為藏家垂青。例如《靈活》於2018年在紐約舉槌，以US$4,531萬易主；《星期六的夜晚》去年在佳士得香港上陣，亦以逾HK$1.1億成交。
安妮塔‧馬賽賽‧何（Anita Magsaysay-Ho，1914-2012）《餵雞的婦女》油彩 畫布
創作時間：1979年
尺幅：80.5 x 150 cm
估價：HK$9,000,000 - 12,000,000
相比巴斯奇亞狂放不羈、看似雜亂無序的塗鴉筆觸，馬賽賽‧何的畫布則呈現出截然不同的繪畫語言——內斂而純粹的秩序之美。
畫面之中，菲律賓婦女提著竹籮、彎身餵雞，構圖取材自鄉野生活的一瞬，卻在馬賽賽‧何的精密佈局下，昇華成一場凝止的舞蹈。她以鮮明果斷的弧線與斜角勾勒輪廓，把幾何形狀注入形體與風景當中。修長的頸項、圓潤的肩膊與傾斜的腰身彼此呼應，在方正臉龐、橢圓竹籃、長方形籬笆和三角形頭巾襯托下，交疊出韻律感極強的視覺節奏。
馬賽賽‧何師從菲律賓國寶級畫家阿莫索羅（Fernando Amorsolo），早期受到後者浪漫寫實畫風影響，一度被譽為「女性阿莫索羅」。不過，這位巾幗英雄並沒有停留在模仿與追隨的階段，在構圖、色彩、技法上追求革新突破，成為菲國藝壇先鋒團體「現代主義十三人」的唯一女性成員。
馬賽賽‧何擁抱現代主義之初，畫中人物稜角分明。及至七十年代，她的畫風已見圓熟，線條更為流暢婉轉，群像以柔美弧線串連，構圖疏密有致，幾何形狀與動態彼此交融，筆下收放自如。《餵雞的婦女》正是箇中爐火純青的代表作，把女性勞動的瞬間定格成永恆優雅。
馬賽賽‧何為菲律賓「現代主義十三人」的唯一女性成員｜Photo：Rupert Jacinto
馬賽賽‧何《拾穗者》，85 x 142.5 cm｜佳士得香港，2016年，HK$13,860,000（藝術家拍賣紀錄）
本作展現出理性嚴謹的構圖，內裡蘊含的卻是藝術家感性靈魂的寄託——對同胞勞動女性的深情讚頌。馬賽賽‧何畢生反覆描繪田野間、市集裡、漁村中辛勤勞作的菲律賓女子，不涉政治，不帶悲情，專注於展現她們的堅毅與尊嚴。
七十年代，馬賽賽‧何入籍加拿大。與此同時，因為航運界巨子丈夫何兆豐的業務需要，一家人輾轉移居香港、紐約、溫哥華、里約熱內盧等地，長年漂泊異鄉。在每一個陌生的城市裡，畫布成為她沉澱思緒的一方淨土。
伴隨著漸濃的鄉愁，馬賽賽‧何創作逐漸邁進「綠色時期」。從《餵雞的婦女》可見，畫布蒙上一層翠綠柔光，女子肌膚也悄悄披上一抹綠調，仿佛與周圍環境融為一體。她們不再僅僅是立於大地之上的個體，而是與大自然有著深切連繫的一員。
馬賽賽‧何這段時期的作品，觸發了許多心靈的共鳴。2016年，同樣繪於七十年代、尺幅相當的《拾穗者》在佳士得香港舉槌，以HK$1,386萬寫下她的全球拍賣紀錄。
趙無極（1920-2013）《銀河 - 09.11.56》油彩 畫布
創作時間：1956年
尺幅：162.2 x 114 cm
估價：HK$45,000,000 - 75,000,000
東方遠古的甲骨符文，與西方油彩的氣象激烈碰撞，一片橫跨數千年文明的浩瀚宇宙，就此在趙無極筆下悄然成形。
《銀河 - 09.11.56》不僅是他「甲骨文時期」承先啟後的關鍵之作，更是這位巨匠創作命題的縮影——如何在異鄉的畫布上，尋回血液裡從未褪色的文化根源。這幅畫是理性與感性的交會，是東方與西方的對話，更是藝術家把天地宇宙濃縮於方寸之間的野心之作。
1948年，趙無極初抵「花都」，深受西方藝術文化衝擊。這位年青人探索個人風格的初期，相當崇拜畢加索和馬蒂斯；在巴黎的藝術圈子，他與蘇拉吉（Pierre Soulages）和喬治馬修（Georges Mathieu）等抒情抽象主義人物結為知交。
受保羅克利（Paul Klee）影響，趙無極開始擺脫具象束縛，把景物化作線條符號。此時期畫作雖已略見抽象傾向，但風景主題仍依稀可辨——這是他向西方現代主義叩門、學習其藝術語彙的理性階段。
趙無極（後排右）攝於五十年代巴黎，中排右方為著名畫商皮耶勒布，前排左方是喬治馬修｜© Ministère de la Culture - Médiathèque du patrimoine et de la photographie
然而，趙無極並未停止向自身文化尋根探源。1954年，他在遠古龜甲和青銅禮器中找到了鑰匙，把東方哲學化為創作底蘊。
趙無極拆解甲骨文、鐘鼎文等古老文字符號，把之重組並融入畫布。神秘的字元，時而如鐵畫銀鉤般剛勁凜然，時而若游雲驚龍般縹緲流轉，相互交融，彼此激盪。他推開了一扇融貫中西、名為「甲骨文」的時空之門。
《銀河 - 09.11.56》尺幅162 x 114 cm，乃「甲骨文」代表巨作。畫面以柔美淡雅的丁香紫、天青、湖藍與水綠層層疊染，色彩如霧似煙，層次交融滲透，恍若水汽氤氳的仙境奇景。中央那些若隱若現的符號筆觸，既是人類文明最初的書寫印記，同時又化作宇宙深處的漫天繁星。文字與星辰，文明與自然，渾然一體，再無分野。
「日照香爐生紫煙，遙看瀑布掛前川。飛流直下三千尺，疑是銀河落九天。」李白的詩，是把眼前壯闊的瀑布，想像成天上傾瀉而下的銀河；無極的畫，則將九天之外那片遙不可及的銀河輕輕帶到人間，讓我們得以仰望整個宇宙。
本作局部
藍色於西方，乃神性高貴的象徵。文藝復興時期，顏料以「群青」最為矜罕，自青金石取材，歷千年而常新，比黃金更為昂貴。即使是大師畫作，也只有最尊貴的形象才配使用。最著名者，莫過於瑪利亞身上那抹深邃聖潔的藍色斗篷。
無極對這種冷色調情有獨鍾，各時期創作的筆法、結構、風格縱有不同，但都必定可以找到藍色的代表佳作。其中最令人印象深刻的，當屬「狂草」時期藍調大作《29.09.64.》，2022年在佳士得香港舉槌，以HK$2.78億刷新藝術家單幅畫作拍賣紀錄。
比對較早的「甲骨文」作品，《銀河 - 09.11.56》的符號元素更融入於整片抽象畫面，而不再是清晰可辨的獨立字符。甲骨文符號的佈局，亦與後來「頂天立地」般的中軸式構圖頗有相似之處，足見本作已具「狂草」雛形。
「現在，我重新回顧這段歷程，覺得它是始終一致的……經歷了不同階段，我充分運用了對中國繪畫的知識來表達……我看見一些形象、線條，它們將我誘向從小就學會的符號。」——趙無極
傑哈德·李希特（Gerhard Richter，1932年生）《抽象畫》油彩 木板
創作時間：1991年
尺幅：95.3 x 100 cm
估價：HK$38,000,000 - 55,000,000
相比趙無極筆下奔湧不息的東方詩意，李希特畫作呈現出截然不同的創作姿態。他刻意抽離情感，以近乎冷酷的理智手法創作《抽象畫》，卻令站在畫板前方的我們產生無窮思考。
這位德國巨匠一生質疑絕對真理，拒絕固定風格，畢生都在創作上顛覆傳統，透過繪畫探索認知與真實之間的裂縫，被視為藝術界的哲學家。
八十年代起，李希特在抽象領域中發展出獨創技法。他先以畫筆或筆刷塗抹鋪陳色彩，再用刮刀拖曳刮擦畫面，帶出底層未乾顏料，形成難以預測的紋理、斷層與色彩融合。
這個過程不斷重復，在建立與摧毀之間循環不息。豐富的細節在刮刀壓力下逐漸模糊，甚或被抹除，惟同時又有充滿動感的全新空間誕生而出。介乎具象與抽象邊界的模糊感，與他早期的「照片繪畫」一脈相承，令畫面時而彷彿失焦的風景，時而又似隨機生成的圖案。
李希特以刮刀技法創作｜紀錄片《Gerhard Richter Painting》預告片截圖
「有了筆刷，你就有了對畫面的控制。顏料沾在筆刷上，由你來定義畫面；憑著習畫的經驗，你胸有成竹地掌控畫面上將會發生什麼。但若用上刮刀，你便會失去對畫面的控制——不是全部，而是部分。」——李希特
雖然李希特追求客觀，努力在創作中保持冷靜，但色彩之下其實潛藏著他對圖像、記憶、真理本身的深切懷疑。
他一生歷經納粹統治、二次大戰、冷戰分裂、德國統一。刮刀反覆抹塗的過程，就像歷史的進程一樣——有可以控制的方向，也有無法駕馭的失序，總在興衰變幻中周而復始。人對歷史的記憶，何嘗不是如此，既想留住真實，又終究只能面對經過扭曲與篩選的殘影。
正因李希特刻意抽離個人情感，作品才得以成為一個對外開放的空間：觀眾不再只是被動地接收畫家情緒，而是能夠將自身經驗與感受投射其中。
本作局部
《抽象畫》以熾熱的紅色為主調，藍、綠、白、黃隱約浮現其間，交織出一場激烈的色彩風暴，牽動觀者進入其中的感官世界，激發出無限想像。
1986至1992年公認是李希特創作生涯的黃金時期。繼歐美多地巡迴展覽之後，1991年倫敦泰特美術館的大型回顧展，更令他在藝壇的聲望攀至頂峰。
正是在這一年，李希特創作了27幅以紅色為主調的抽象畫，不是由美術館珍藏，便是為重要私人藏家雅蓄。2021年，同年創作的另一幅紅調《抽象畫747-1》在佳士得香港上陣，以HK$1.4億高價易主。
隨著路易威登基金會於去年底至本年初為之舉辦大型回顧展，市場對這位年屆九十三歲的藝術哲人仍然有無盡想像空間。
保羅·塞尚（Paul Cézanne，1839-1906）《藍盤靜物》油彩 畫布
創作時間：1879-1880年
尺幅：28 x 22.7 cm
估價：HK$25,000,000 - 35,000,000
現代藝術史上，堪稱大師巨匠的或許有數十位，惟公認為「現代藝術之父」的卻只有塞尚一人。
靜物是西方藝術的經典題材，在塞尚筆下變得無比樸素。四時花卉、華麗器皿、複雜構圖、華麗風格、逼真的寫實技巧、強烈的光影處理等傳統統統消失不見。僅僅憑藉數枚桃梨、半隻瓷盤、樸素木桌，這位法國人改變了整個美術史的走向，影響了以畢加索為首的無數後世名家。
一桌尋常靜物，在塞尚筆下簡化成各類形狀。桃梨渾圓，瓷盤橢圓，桌沿與木板一橫一斜，撐起構圖。畫家沒有細描果皮紋理，而是讓紅、黃、綠色在果實表面交替，以色彩本身塑造體積。形狀愈簡練，物件反而愈見份量。
驟眼看來，水果與器皿似是隨意散置，實際上卻是彼此呼應，冷暖色塊亦形成恰如其分的對照，令畫面維持著微妙的平衡。這幅《藍盤靜物》突顯出塞尚美學的兩個核心觀念：一、世上萬物皆可還原為幾何形狀；二、沒有線條、沒有明暗，只有色彩。
十九世紀初的靜物畫｜維多利亞國立美術館
塞尚前無古人的革新，與印象派有著密不可分的關係。
他早年受印象派影響，離開畫室走到戶外寫生。可是比起捕捉瞬息光影變化，塞尚更重視永恆的秩序與內在結構，於是把物象簡化成幾何。色彩在他手上，不但可以表達體積與重量，更能夠營造空間深度。
與此同時，塞尚打破了傳統的單一透視法，模仿人類雙眼游走移動，在同一幅畫作中呈現出不同視角。這種對空間與時間的處理方式，徹底解放了藝術家對畫面的想像；對主觀性創造的主張，影響了無數流派，使現代藝術走向強調自我表現的道路。
塞尚《桃子、梨子和葡萄》，1879-80年｜聖彼得堡冬宮博物館
塞尚《蘋果與餅乾》，1879-80年｜巴黎橘園美術館
塞尚靜物畫猶如平地一聲雷，改變了近代藝術發展。對比同期作品，《藍盤靜物》更讓我們窺見他大膽打破常規的視野。
同期靜物畫大都是全景式構圖，水果完整呈現且四周留有大片環境空間。反觀《藍盤靜物》，似是從整個場景中截取一隅，藍盤和左右水果都有一半隱沒於畫布以外，桌面以強烈的斜角切入，形成一條從左下延伸至右上的動態對角線，打破了傳統靜物畫的水平穩定感。
獨樹一幟的佈局，令學者一度以為本作是從較大型畫面中裁切而成的。直到後來有研究顯示，《藍盤靜物》從一開始便是如此構思，乃塞尚有意為之的創作。
《藍盤靜物》最早為Octave Mirbeau雅蓄，此君是法國藝壇極具影響力的評論家，亦是塞尚的重要支持者；六十年代成為Edward Hulton珍藏，這位爵士建立了英國戰後最重要的現代藝術收藏之一。本作亦曾經在多個頂尖美術館亮相，包括巴黎橘園美術館，以及阿姆斯特丹市立博物館等等。
劉野（1964年生）《藍色的海》油彩 畫布
創作時間：1998年
尺幅：170 x 200 cm
估價：HK$16,000,000 - 26,000,000
在劉野手中，冷靜的幾何語言被賦予了當代情感——水平線串成欄杆，色塊構成海面與甲板，孤單的小人佇立其中，理性構圖裡滲出淡淡寂寥。
劉野於1964年在北京出生，父親從事兒童文學創作，家中收藏安徒生、普希金等童話，啟發了他對航海、冒險與未知世界的想像。這些童年記憶，後來化成小水手、天使、軍艦與遠方旅程，為作品披上一層童話色彩。
童話般的畫面背後，劉野對構圖與秩序非常講究。他曾接受工業設計訓練，後來入讀中央美術學院壁畫系，對比例與畫面結構打下紮實基礎。九十年代負笈歐洲，親身接觸西方現代藝術。維米爾寧靜含蓄的光線、保羅克利充滿童趣的造型，以至包浩斯講求幾何與秩序的美學，均成為他日後創作的重要養分。
一眾藝術家當中，又以蒙德里安（Piet Mondrian）對劉野影響最為深遠。
蒙德里安《構成第三號：紅、藍、黃與黑》｜紐約佳士得，2015年，US$50,565,000
本作局部
蒙德里安在塞尚開創的現代藝術之路上更進一步，捨棄所有自然物象，追求純粹理性的幾何與比例，並單純運用三原色和黑白灰，被譽為幾何抽象（冷抽象）的先驅。
「童話故事充滿想像力和敏感性，而哲學則要求嚴格和理性的思考。童話和哲學代表兩種極端的思考模式。我的作品游走在兩個極端之間。」——劉野
在《藍色的海》，小水手站在甲板一隅，以望遠鏡眺望未知方向；遠處巨艦橫臥海面，四周卻寂靜無聲。這個未有結局的航海故事，承載着劉野童年對冒險的夢想。
畫面結構卻保持着蒙德里安式的冷抽象結構：甲板、海面、軍艦與天空是數道橫向色帶，欄杆垂直分割；紅白救生圈、黃色船板與大片藍海互相牽引。甲板上更散落一本印有蒙德里安作品的書本，直接點明其對劉野的影響。
1995至2000年間，劉野創作了32件海軍題材作品，當中尺幅與本作相若或更大者僅得5例。同樣大小的《寂靜的海》，如今已納入香港M+館藏，足見這系列作品之珍罕。
拍賣詳情
拍賣行：佳士得香港
專場：二十及二十一世紀晚間拍賣
預展：2026/9/22 - 29｜10:30am - 5:30pm
日期：2026/9/29｜7pm