自然的先聲：從現實主義到光影的釋放
回望近現代藝術史，東西方美學的交彙從未是單向的影響或模仿，而是一場雙向奔赴的深度滲透。這種滲透不僅是技法與媒介的借用，更是精神內核的重構。本季春拍，上氏拍賣在更宏大的時空維度中，探尋那些打破文化疆界、重塑現代感官的藝術脈絡。
Lot 1811｜夏爾‧弗朗索瓦‧杜比尼（Charles-François Daubigny，1817-1878）《夕陽（Sunset）》油彩畫布 鏡框
創作時間：1887年
尺幅：32 x 57.5 cm
簽名與日期：藝術家簽名、年份
估價：JPY 1,200,000 - 1,800,000（RMB 53,500 - 80,300）
藝術的國際化對話，往往始於對自然本質的重新界定。19世紀法國風景畫的奠基人，便是這場變革的先行者。作為巴比松派的靈魂人物，夏爾‧弗朗索瓦‧杜比尼在19世紀法國藝術史上占據著承前啟後的地位。他生於藝術世家，自幼在父親指導下展現出對自然的驚人洞察力。
杜比尼不僅是自然主義風景的推動者，更因其對光影的實驗性探索，被視為印象派的先驅。他最為後人津津樂道的，是那艘名為「Le Botin」的水上畫室。自1857年起，他便沿河漂流，在瓦茲河與塞納河的粼粼波光中直接寫生，這種捕捉大氣瞬間變化的實踐，在本作中得到了深刻的印證。
作品《夕陽》描繪了一處寧靜的水邊風景。畫面以廣闊的天空與平靜的水面構成橫向構圖，遠方的樹林、農舍與岸邊人物被低調地安排於景中，呈現出自然與鄉村生活相互調和的景象。
地平線附近的夕暮之光透過雲層微微灑落，在天空與水面上形成細膩的色彩變化。而天空與水面所占據的大面積構成以及對大氣感的重視，正是杜比尼風景畫的重要特徵。本作亦可視為其描繪自然詩意與光線變化的代表性風景作品之一。
Lot 1810｜瓦西里·康定斯基（Wassily Kandinsky，1866-1944）《立方體（Cube）》水粉 黑紙 鏡框
創作時間：1939年
尺幅：48.5 x 36.5 cm
簽名與日期：藝術家簽名、年份
來源：
- Mme Nina Kandinsky（康定斯基夫人）
- 瑞士，貝耶勒基金會
- 東京，富士電視畫廊
- 栃木，久保貞次郎
- 東京私人收藏（根據附屬資料）
出版：
- 《康定斯基〈水彩〉作品全集 Vol.2》P.463，No.1262，Vivian Endicott Barnett，2003年
展覽：
- Maeght（巴黎），1957年
- 南特，1959年
- MoMA（紐約），1969年
- 多倫多，1970年
- 伯恩，1971年
- 巴塞爾，1972年
- 紐約，1973年
- Annely Juda Fine Art（倫敦），1980/1981/1983年
- 東京，1986年
- 杜塞道夫，1992年（根據附屬資料）
估價：JPY 11,000,000 - 16,000,000（RMB 490,600 - 713,600）
隨著感知的覺醒，繪畫在20世紀掙脫了形態的束縛，走向純粹的抽象秩序。瓦西里·康定斯基作為抽象繪畫的創始人之一，與馬列維奇、蒙德里安共同開啟了現代藝術的新紀元。他曾於包豪斯任教，並組織了深具影響力的表現主義運動「藍騎士」，其藝術生涯經歷了從抒情抽象到理性幾何構成的偉大轉變。
這件創作於1939年的《立方體》，正值康定斯基移居巴黎後期，是其藝術語言步入巔峰的成熟體現。此時期的作品在嚴謹的幾何構成之上，逐漸演化出具有有機與生物性質的形態，宛如細胞、微生物或宇宙生命體般，漂浮於輕盈的線條與透明的色彩層之中。相較於早期風格，本作的線條更顯自由流動，形態間彼此呼應，形成富有節奏感的有機結構。
畫面中，柔和而透明的色彩對比營造出詩意且帶有幻想性的空間感，展現了幾何秩序與生命有機性並存的抽象語言。這種跨越理性的探索，成功開闢出一種超越物質的精神性空間，被公認為二十世紀抽象藝術最為重要的成果之一。
Lot 1812｜莫里斯·德·弗拉曼克（Maurice De Vlaminck，1876-1958）《雪景（Snow Scene）》油彩畫布 鏡框
尺幅：38.5 x 46 cm
簽名與日期：藝術家簽名
附Gilbert Petrides發行保證書、Wildenstein研究所發行保證書
估價：JPY 3,200,000 - 4,500,000（RMB 142,700 - 200,700）
這種對色彩張力與生命強度的追求，在野獸派核心人物莫里斯·德·弗拉曼克筆下，轉化為另一種厚重的敘事。莫里斯·德·弗拉曼克為20世紀初法國代表性的畫家之一，亦是野獸派的核心藝術家。他生於巴黎，在未接受常規美術教育的情況下，以自學方式習畫。
1900年與德蘭相識並投入創作後，他於1905年秋季沙龍憑借強烈的色彩與奔放的筆觸引起矚目，與馬蒂斯等人一同開啟了野獸派的先河。1908年前後起，其畫風逐漸轉為色調較為沉穩的風景畫表現，並以法國各地的村落、鄉間道路及冬日景色為主要題材。
本作描繪了覆雪村落街道的風景，是弗拉曼克鄉間題材的代表性作例。畫面中央的道路向遠方延伸，兩側配置房舍，形成了極具遠近層次的構圖，呈現出寧靜的鄉村景象。整體色調以灰色與褐色為基調，畫面可見厚重堆疊的顏料與有力的筆觸，屋頂與路面上的積雪則以簡潔筆法加以表現。
覆滿厚雲的天空與整體畫面相呼應，營造出冬日寂靜的氛圍。這種對物質感與大氣氛圍的精准駕馭，使弗拉曼克的風景畫超越了單純的寫景，展現出一種沉穩而富有力量的美學深度。
跨越國界的共鳴：從古典融合到戰後抽象
Lot 1821｜藤田嗣治（Fujita Tsuguharu，1886-1968）《睡貓（Sleeping Cat）》墨 水彩 紙 鏡框
創作時間：1941年
尺幅：24.3 x 27.3 cm
簽名與日期：年份、藝術家簽名、“kiki”
附東美鑑定評價機構鑑定委員會發行鑑定證書
估價：JPY 2,800,000 - 3,600,000（RMB 124,900 - 160,600）
如果說19世紀的風景與抽象實驗定義了歐洲的現代性，那麼身處東亞的藝術家們則通過長達半個世紀的「旅法」征程，開啟了對本土身份與全球語境的深度重構。
作為「巴黎畫派」中極具代表性的亞洲藝術家，藤田嗣治在1913年抵達巴黎後，逐漸在蒙帕納斯的藝術圈中確立了自己的地位，他擅長將東方筆墨的質感融入西方繪畫的構圖之中。
在藤田的創作序列中，「貓」是其持續關注且具有高度個人辨識度的題材。這件創作於1941年的《睡貓》，以細膩的墨色與水彩線條，準確捕捉了貓在睡眠中蜷縮的體態，在靜謐的畫面中透出一種特有的詩意。畫中標誌性的「kik」字樣簽名，隱喻了藝術家與巴黎黃金時代美學符號的深層互文。
Lot 1819｜梅原龍三郎（Umehara Ryuzaburo，1888-1986）《裸婦圖（Nude）》粉筆 紙 鏡框
創作時間：1912年
尺幅：57.5 x 35.7 cm
木箱蓋：作品名、年份、“梅原龍三郎寫”、鈐印「梅原」
附東美鑑定評價機構鑑定委員會發行鑑定證書
估價：JPY 300,000 - 600,000（RMB 13,400 - 26,800）
與藤田嗣治同時期的另一位日本現代西洋畫先驅是梅原龍三郎。他於1908年赴法留學，直接受教於雷諾阿，深受其溫暖色彩與豐盈造型的影響。回國後，梅原致力於將西方的油畫技法與日本傳統的裝飾性美學相結合，確立了充滿生命力且色彩絢麗的個人風格。
這件創作於1912年的《裸婦圖》，是其早期旅歐時期藝術探索的重要見證。畫面以柔和的粉彩色調表現出女性身體的豐腴感與光影變化，筆觸間可以清晰觀察到雷諾阿式對光色的捕捉，同時也流露出藝術家對形體結構的細緻觀察。
Lot 1830｜今井俊滿（Imai Toshimitsu，1928-2002）《作品（Work）》油彩畫布 鏡框
創作時間：1959年
尺幅：38.5 x 46 cm
簽名與日期：（背）藝術家簽名、年份、“PARIS”
估價：JPY 1,800,000 - 3,600,000（RMB 80,300 - 160,600）
到了20世紀50年代，新一代旅法藝術家不再滿足於形態的融合，而是深入到媒介與觀念的腹地，參與到了席卷歐洲的「不定形藝術」（Art Informel）運動之中。
1952年赴法後的今井俊滿，是第一位被歐洲主流藝術圈接納為「不定形藝術」核心成員的日本藝術家。旅居巴黎期間，他與當時的歐洲前衛藝術思潮密切接觸，深受「抒情抽象」與「物質繪畫」的影響。
他的創作強調顏料本身的物質性與行動軌跡，通過厚重的堆疊與奔放的筆觸，將情感與身體動作直接轉化為畫面結構，徹底摒棄了具象的束縛，轉而強調物質本身的爆發力與偶然性。
本作展現了今井俊滿在戰後抽象語境中對「物質性」與「動作性」的探索。大量油彩的堆積使畫面呈現出近似地質層般的質感，顏料既是色彩亦是物質，形成了介於繪畫與浮雕之間的視覺效果。
在黑色、綠色與土色調構成的厚重基底之上，紅色線條如同生命脈動般貫穿其中，使整體畫面在沉厚與動勢之間取得了微妙的平衡，體現出當時日本藝術家在國際前衛藝術潮流中的獨特表現。
Lot 1831｜堂本尚郎（Domoto Hisao，1928-2013）《Opening Night》油彩畫布 鏡框
創作時間：約1936年
尺幅：58 x 80 cm
來源：紐約，Martha Jackson gallery
估價：JPY 1,800,000 - 3,600,000（RMB 80,300 - 160,600）
同樣在1950年代享譽巴黎的堂本尚郎，則在抽象秩序中尋找一種更為深邃的流動感。他的作品常呈現出一種類似自然律動的循環節奏。本作通過色彩的層疊與筆跡的交疊，在畫布上構建出一個超越地理邊界的精神場域，標誌著日本當代抽象藝術在國際舞台上的成熟。
Lot 1809｜趙無極（Zao Wou-Ki，1921-2013）《Canto Pisan 版畫八件（Eight Prints from Canto Pisan）》銅版畫 皆附鏡框
創作時間：1972年
簽名與日期：藝術家簽名
版數：50
由巴黎貝里尼版畫工坊印製，並於巴黎皮耶·貝爾豐出版。（根據附屬資料）
來源：東京，Takeda美術
估價：JPY 3,200,000 - 6,800,000（RMB 142,700 - 303,300）
作為二十世紀最具代表性的抽象畫家之一，趙無極建立了融合東方精神性與西方抽象表現的獨特藝術語彙。1948年赴巴黎後，他於國際前衛潮流之中逐步發展出個人風格。1950年代的作品可見帶有象徵意味的形態與線性符號，呈現出與保羅·克利及胡安·米羅相呼應的視覺語言。
自1960年代起，趙無極的畫面轉向更為大氣而開闊的空間表現。本作品群由八件彼此獨立的作品構成，充分展現了東方留白意識與西方抽象表現的高度融合。畫面以鮮烈的紅、黃，以及深綠與紫等多樣色彩為基調，強勁的筆觸與線性的動勢凝聚於畫面中心。
通過滲化與層疊形成的色面，與宛如書法般交錯的線條，趙無極營造出一種令人聯想到自然生成力量的抽象空間 - 如地形、風與光的流動。
趙無極的作品不僅在媒介運用上展現了極高造詣，更在西方抽象的骨架中，注入了東方哲學對宇宙與氣韻的觀照，成為東西方文化交融的獨特象徵。
書寫的生命力與符號的增殖
在戰後全球藝術語境的劇變中，另一股力量源自對傳統媒介的徹底顛覆。藝術家們不再滿足於畫筆與畫布的常規對話，轉而向物質的深度與符號的極限發起挑戰。
Lot 1801｜井上有一（Inoue Yuichi，1916-1985）《愛（Ai）》墨 唐紙 立軸
創作時間：1972年
鈐印：鈐印「有一」
作品編號：CR72060
背面貼有海上雅臣的鑑定貼紙
出版：《井上有一全書業Vol.2》P.234-235，CR72060，UNAC TOKYO
展覽：
- 井上有一鑑賞小品展（東京/ Unac Salon）1994年
- 個展（東京/阿曾美術）1996年
附屬作品：（愛／鈴木千乃）
題箱：“甲申狼涙祭於壬子硯...”
附海上雅臣親筆信。
估價：JPY 1,200,000 - 1,800,000（RMB 53,500 - 80,300）
Lot 1806｜井上有一（Inoue Yuichi，1916-1985）《圓（En）》墨 和紙 立軸
創作時間：1977年
尺幅：141.8 × 182.7 cm
鈐印：鈐印「有一」
作品編號：CR77006
背面貼有海上雅臣的鑑定貼紙
出版：《井上有一全書業 Vol.3》P.33，CR77006，UNAC TOKYO
展覽：
- 未發表作品展5（東京/ Unac Salon）1990年
- 井上有一展「邁向『圓』的星座」（東京/麻布美術工藝館）1999年（依附屬文件記載）
估價：JPY 3,800,000 - 6,800,000（RMB 169,500 - 303,300）
井上有一是20世紀後期日本藝術的旗幟性人物。在世人眼中，他是一個剃著光頭、揮運巨筆、在飛濺的墨跡中摸爬滾打的「野蠻十足」的傢伙；但在現實中，他白天是平凡的教師，回到家則變身為放蕩不羈的前衛藝術家。當整個日本沉湎於經濟的高速增長時，他始終腳踏實地，在寂寞的創作中將自己錘煉成為名垂世界藝術史冊的大師。
這種對書寫的純粹追求，使其筆下的「文字」不再僅僅是語義的載體，而是一個充滿能量的生命實體。本次上拍的作品，展現了其標誌性的單字書風格。通過墨色的濃枯對比與噴薄而出的筆觸，藝術家將書寫瞬間的爆發力永恆化在紙面上。這種對空間的壓迫感與原始的生命張力，使其作品超越了書法的邊界，進入了純粹表現主義的範疇。
Lot 1822｜草間彌生（Kusama Yayoi，生於1929年）《草莓（Strawberry）》白銅
創作時間：1993年
簽名與日期：年份、藝術家簽名。（底）numbered、印章、年份
版數：30
附畫廊KURA發行作者本人簽名證明書
原型製造：1974年，本作鑄造：1993年
來源：山崎鋳金工房、畫廊KURA
估價：JPY 1,600,000 - 3,200,000（RMB 71,400 - 142,700）
Lot 1823｜草間彌生（Kusama Yayoi，生於1929年）《花芯（Flower Core）》丙烯 墨 色紙 鏡框
創作時間：1991年
尺幅：27.3 × 24.2 cm
鈐印：鈐印「彌生」
簽名與日期：（背）作品名、年份、藝術家簽名
附株式會社草間彌生發行之作品登錄卡
估價：JPY 2,800,000 - 3,600,000（RMB 124,900 - 160,600）
作為戰後日本最具代表性的前衛藝術家之一，草間彌生的創作跨越了繪畫、雕塑與裝置，建構出一個模糊了現實與幻想界線的視覺世界。
自1957年只身前往紐約並逐步奠定國際聲譽以來，她始終以源自幻覺與強迫觀念的波點、網狀圖案為核心語言。對草間而言，藝術是其「為了生存下去的手段」，通過對單一符號的無限重複，她試圖在消融自我的過程中尋求與宇宙的連接。
在本次呈現的作品中，《草莓》以布滿凹點的堅硬金屬，重構草莓的甜美意象，將波點從平面延伸至立體，紅色草莓既是生命欲望的象徵，也是藝術家內心幻覺與無限宇宙的物化，在脆弱與堅硬、甜美與刺痛之間，形成強烈的心理張力。
而在創作於1991年的色紙作品《花芯》中，她將目光投向植物的微觀結構，通過丙烯與墨的交織，在尺幅之間構築出迷幻而深邃的空間感。
全球化圖像與當代精神的回響
步入當代，藝術的觸角延伸至大眾文化、商業消費與心理潛意識的深處。圖像不再僅僅是對現實的臨摹，而成為了藝術家解讀世界、重構秩序的強力語言。
Lot 1824｜安迪·沃霍爾（Andy Warhol，1928-1987）《LOVE II -310》絲網印刷 鏡框
尺幅：66 x 50 cm
簽名與日期：藝術家簽名、“AP”
紙上鋼印
來源：東京，Takeda美術。
估價：JPY 2,000,000 - 3,000,000（RMB 89,200 - 133,800）
作為20世紀藝術界最具影響力的人物之一，安迪·沃霍爾不僅是波普藝術的領袖，更是當代文化符號的製造者。他大膽嘗試凸版印刷、金箔技術乃至照片投影等複製技法，甚至作為先驅者，在1984年便開始使用Amiga電腦進行數字藝術創作。
作為橫跨電影製片、出版、作曲與藝術創作的「明星式藝術大師」，沃霍爾敏銳地預見了當今流量至上、圖像泛濫的時代。通過對日常符號的重複與重構，他留下了一個永恆的提問：在複製與消費的浪潮中，真實與個性究竟何在？
Lot 1825｜羅伯特·勞申伯格（Robert Rauschenberg，1952-2008）《作品（Work）》拼貼 布面丙烯 鏡框
尺幅：68.5 x 100 cm
簽名與日期：藝術家簽名
估價：JPY 200,000 - 300,000（RMB 8,900 - 13,400）
如果說沃霍爾是在提煉符號，那麼羅伯特·勞申伯格則是在重組視覺的邏輯。自早期起，勞申伯格便探索不受既有觀念束縛的各種表現方式。他在抽象表現主義的背景下，逐漸發展出將日用品、照片與社會性圖像融入作品的獨特技法，形成了其後被稱為「結合」（Combine）的混合媒材創作。
勞申伯格的藝術實踐始終帶有跨界的實驗精神，他曾積極參與海外計劃並與前衛舞蹈界深度合作。他以自由結合素材與影像的方式，將現實世界的碎片、身體性與日常性引入創作。這種對既有價值觀的革新，不僅記錄了工業時代信息的交織與碰撞，更對波普藝術之後的全球藝術潮流產生了深遠影響。
Lot 1826｜藪內佐斗司（Yabuuchi Satoshi，生於1953年）《自由女神（Torso）》青銅
創作時間：1990年代
尺幅：106 x 160 x 37.5 cm
製作於1990年代（簽名於2025）
翅膀可拆卸
估價：JPY 1,600,000 - 3,600,000（RMB 71,400 - 160,600）
在符號的解構中，藪內佐斗司提供了一個極具東方底蘊的視角。他畢業於東京藝術大學研究所並曾於該校任教，其創作根基深植於日本天平時代佛教雕刻，深諳量感掌握與比例均衡之美。
在這件創作於1990年代的作品中，他建立了融合古典傳統與當代語彙的獨特體系。藪內通過平滑而克制的面處理，大膽抽取並突出頭部、肢體或羽翼等元素，利用量塊節奏的強化，在形體與空間之間製造出獨特的張力。
依托於精緻的銅雕鑄造與細膩的著色工藝，作品不僅保有古典雕刻的精神性，更兼具當代空間的親和力。這種對傳統技法的靈活操作，使原本宏大的西方文化符號呈現出一種既具神話氣息又富有溫情的造形語言。
Lot 1876｜蔡國強（Cai Guo-Qiang，生於1957年）《火藥畫 第8號–第40號（Gunpowder Painting No.8-40）》複合材料 鏡框
尺幅：12.8 x 16.8 cm
簽名與日期：（背）作品名、藝術家簽名
估價：JPY 150,000 - 300,000（RMB 6,700 - 13,400）
蔡國強於1980年代中後期旅居日本，隨後活躍於紐約及全球藝術舞台。他的藝術脈絡深植於對東方哲學、社會議題以及宇宙空間的跨界思考。曾獲威尼斯雙年展金獅獎，並在紐約古根海姆美術館、北京故宮博物院等重要機構舉辦個展。蔡國強以火藥這一極具傳統屬性且帶有破壞力的媒介進行創作，使繪畫轉化為一場關於能量、秩序與不可知力量的轉譯。
Lot 1828｜讓·皮埃爾·卡西紐爾（Jean Pierre Cassigneul，生於1935年）《未婚妻（Fiancée）》油彩畫布 鏡框
創作時間：1995年
尺幅：160.5 x 128.8 cm
簽名與日期：藝術家簽名、年份
來源：東京大丸百貨公司（現今所有者為直接自東京大丸百貨公司取得）
估價：JPY 3,800,000 - 6,800,000（RMB 169,500 - 303,300）
在激進且不斷解構的當代藝術語境中，讓·皮埃爾·卡西紐爾的作品始終保留著一份獨有的法式優雅與寧靜。卡西紐爾繼承了納比派（Les Nabis）對於裝飾性色彩與平面構圖的精髓，將其轉化為一種極具現代感的時尚敘事。畫中女性展現出優雅且迷人的靜謐氣質，柔和的色調與流動的線條在方寸間營造出詩意的生活意境。
具體美術：「不要模仿他人」的生命吶喊
第二次世界大戰後的日本重拾追求現代藝術的自由風氣，開始與歐美當代藝術接軌。1954年8月，由吉原治良領銜的17位藝術家，在大阪與神戶之間的蘆屋市成立了「具體美術協會」（Gutai）。
這一團體力求在日本文化的傳承中使用現代藝術語彙，通過徹底利用材質特性、色彩與形體來體現美感，故採用「具體」一詞。在吉原治良「不要模仿他人，投入全新的事物」這一核心觀點的指引下，「具體」歷時18年，成員歷經兩代共59位藝術家，成為了戰後國際藝術運動中不可或缺的一環。
Lot 1839｜吉原治良（Yoshihara Jiro，1905-1972）《無題（Untitled）》油彩畫布 鏡框
尺幅：38 x 45 cm
簽名與日期：藝術家簽名
附日本洋畫商協同組合發行鑑定登錄證書
估價：JPY 1,300,000 - 1,800,000（RMB 58,000 - 80,300）
提到日本戰後抽象藝術的國際化，吉原治良是一個繞不開的名字。作為具體美術協會的開創者與精神領袖，吉原治良不僅是一位傑出的抽象畫家，更是一位極具遠見的藝術推手。直到1968年，他帶領具體派在日本、紐約及意大利都靈共舉辦了21次展覽，成功將這一源自關西的藝術運動推向世界舞台。
吉原以其「圓」系列作品聞名於世，這不僅是他個人風格的象徵，更承載了他對「前所未有之物」的執著追求。本次上拍的作品展現了他成熟的藝術語彙 - 不繼承任何既有的近現代繪畫風格，而是通過純粹的抽象形式去體察物質的真實。這種純粹性不僅深刻影響了白髮一雄、元永定正等後輩，也確立了具體派在戰後藝術史中的奠基地位。
Lot 1859｜白髮一雄（Shiraga Kazuo，1924-2008）《作品（Work）》油畫 色紙 鏡框
尺幅：27.2 × 24.1 cm
簽名與日期：藝術家簽名（背）作品名、藝術家簽名
附日本洋畫商協同組合發行鑑定登錄證書
估價：JPY 1,800,000 - 3,600,000（RMB 80,300 - 160,600）
作為日本戰後前衛美術的座標式人物，白髮一雄不僅是具體美術協會的核心，更曾於1952年與田中敦子等人共同創立「零會」。他最為人熟知的「足繪畫」 - 將身體懸吊、以雙足作畫，將運動性與即興性推向了極致。
這種表現方式雖與西方的「不定形藝術」及「行動繪畫」產生跨時空的呼應，卻更深植於東方禪宗「無心」的境界。通過這種極端的身體參與，白髮一雄將繪畫從「描繪」轉化為了一場關於「行動」與「生命意志」的博弈，每一道色彩的堆疊都是藝術家生命瞬間的定格。
Lot 1852｜田中敦子（Tanaka Atsuko，1932-2005）《作品（Work）》丙烯亮光漆 布面 鏡框
創作時間：1973年
尺幅：53 x 45.5 cm
簽名與日期：（背）年份、藝術家簽名
附金山明·田中敦子協會發行作品登錄卡
估價：JPY 5,800,000 - 8,800,000（RMB 258,700 - 392,500）
自1950年代加入具體美術協會以來，田中敦子便開始思索如何將現代都市的脈動轉化為繪畫的微血管。她持續探索由「線」與「圓」構成的視覺語言，並將其轉化為如電線般交錯延展的複雜結構。
這件創作於1970年代的作品，畫面不再拘泥於早期的簡明組織，而是轉向更為自由奔放的線條實驗。鮮明的紅、黃、藍、黑等強烈色彩相互交織，蜿蜒纏繞的線條在畫布上構築起類似電路或能量流動的視覺秩序。
這種密集而有節奏的構圖，配合粗獷且充滿速度感的筆觸，使畫面呈現出高度的動態與張力。這不僅是藝術家對身體動作與時間的記錄，更是她將內在精神能量轉化為抽象語言的卓越體現，在混沌與和諧之間達到了微妙的平衡。
Lot 1854｜元永定正（Motonaga Sadamasa，1922-2011）《五色垂吊（Five Colors Dangling）》布面丙烯 鏡框
創作時間：1990年
尺幅：181.8 x 227.3 cm
簽名與日期：藝術家簽名、年份
附有限會社元永資料研究室發行鑑定書
來源：關東，私人收藏
估價：JPY 2,800,000 - 3,600,000（RMB 124,900 - 160,600）
元永定正以其富有遊戲精神的視覺語言，在具體美術協會中獨樹一幟。其創作生涯從早期的流動液體實驗到後期的硬邊抽象，始終在探索物質形態的無限可能。
這件創作於1990年代的《五色垂吊》，畫面在天空般的藍色背景中漂浮著如白雲般的形狀，其下方垂掛著多彩且各具形態的「形體」，充滿視覺上的節奏感，引發觀者對各種故事與情景的想像。
元永以壓克力顏料平塗而成的色面清晰而鮮艷，各個形體在保持個性的同時彼此協調，形成輕快的視覺和聲。色彩與形體是元永追求「純粹視覺共鳴」的重要元素。鮮明的色彩喚起情感上的反應，並形成律動。
形體的配置介於「偶然」與「必然」之間，令人聯想到自然界中有機成長的法則。這種多樣的色彩與垂掛的形體各自展現個性，同時維持整體的和諧，使作品充滿生命感。通過這種視覺上的愉悅，元永不僅喚起了人們對自然與日常的驚奇，更讓觀者重新體察到「觀看的自由」與「感受的喜悅」。
Lot 1863｜嶋本昭三（Shimamoto Shozo，1928-2013）《作品（Work）》油彩畫布 鏡框
創作時間：1964年
尺幅：72.5 x 61 cm
簽名與日期：藝術家簽名，（背）「祝結婚」、年份、藝術家簽名
附嶋本昭士簽名的證明書
估價：JPY 2,800,000 - 3,600,000（RMB 124,900 - 160,600）
作為具體派的創始成員之一，「破壞」是嶋本昭三最核心的藝術語言。他曾以「擲瓶繪畫」轟動藝壇，通過打破裝有顏料的玻璃瓶，捕捉色彩濺落的瞬間。
這件創作於1964年的作品，生動體現了他在那一時期對於畫面秩序的挑戰。畫面通過顏料的劇烈碰撞與交融，形成了極具厚度與肌理感的視覺張力，色彩在畫布上的自然流淌與隨機飛濺，消解了人為構圖的刻意感。
Lot 1860｜上前智祐（Uemae Chiyu，1920-2018）《無題（Untitled）》複合材料 鏡框
創作時間：1971年
尺幅：23 x 15.6 cm
簽名與日期：（背）年份、藝術家簽名
來源：大阪美術俱樂部
展覽：GUTAI仍然在世（大阪／ICHION CONTEMPORARY）2025年1月-5月
估價：JPY 380,000 - 600,000（RMB 16,900 - 26,800）
Lot 1861｜上前智祐（Uemae Chiyu，1920-2018）《作品（Work）》布面油畫 鏡框
創作時間：1970-71年
尺幅：41.0 × 31.8 cm
簽名與日期：（背）藝術家簽名、年份
附藝術家信件、照片
估價：JPY 1,200,000 - 1,800,000（RMB 53,500 - 80,300）
生於京都的上前智祐是具體美術協會的早期成員，他在具體派群星中占據著一個極其獨特的位置。與追求瞬間爆發力的成員不同，上前智祐更像是一位「時間的勞作者」，他以釘子、布片、纖維等平凡材料反覆打入支持體，通過這種極具持續性的行為來構建畫面。
本次呈現的作品靜謐地呈現了物質的堆積與時間的痕跡。其克制的色彩與富於觸感的表面，被視為將劇烈的行為強度轉化為內斂形式的卓越表現。這種對物質與時間的極致消磨，展現了具體派對「行為強度」探索的另一種維度，近年來在國際學術界正獲得越來越高的重新評價。
Lot 1857｜松谷武判（Matsutani Takesada，生於1937年）《日 Hi（Hi）》複合材料 鏡框
創作時間：1982年
尺幅：65 x 50 cm
來源：西宮工作室
展覽：
- 西宮’86 第三部分「何謂未完成」Part II（兵庫／西宮工作室）1986年
- MACMA 蘆屋公開展（兵庫／MACMA Ashiya）1987年
- 松谷武判展（兵庫／西宮工作室）1989年
- 兵庫七人展 - 津高和一畫伯追悼（兵庫／西宮工作室）1995年
- 第17回 PEN Gallery 兵庫當代美術七人展（兵庫／西宮工作室）1997年（根據藏家提供資訊）
估價：JPY 2,200,000 - 3,600,000（RMB 98,100 - 160,600）
作為具體美術協會的代表成員，松谷武判在當今世界藝術界占據著前沿地位。繼2017年亮相威尼斯雙年展主要展覽部分後，2019年他又在巴黎蓬皮杜藝術中心舉辦了個展，國際學術影響力卓著。松谷的作品始終圍繞「流動」、「繁殖」、「圓」、「滴」等意象展開，象徵著生成、變化與循環等生命性的過程。
Lot 1862｜堀尾貞治（Horio Sadaharu，1939-2018）《作品（Work）》複合材料
創作時間：2000年
尺幅：181.7 x 73.5 x 50.5 cm
簽名與日期：年份、藝術家簽名
估價：JPY 300,000 - 600,000（RMB 13,400 - 26,800）
生於兵庫縣的堀尾貞治，是具體美術協會中致力於打破藝術與生活邊界的代表人物。他於1965年加入協會，並從1985年起開啟了以「理所當然的東西」為主題的終身創作。
堀尾的藝術實踐極具行動力，曾帶領團隊在2005年橫濱三年展現場連續83天不間斷作畫，並於2013年受邀在紐約古根海姆博物館進行公開創作表演，將具體派的實驗精神帶向世界舞台。
這件創作於2000年的大型複合材料裝置，集中體現了他將藝術行為轉化為日常修行的理念。他每年參與近百次展覽，始終保持著極高頻率的產出與實驗。通過對平凡物件的重構，堀尾賦予了物質以全新的生命感，體現了他在「此時此刻」中不斷突破傳統藝術定義、追求「前所未有」的純粹熱情。
物派 - 物質、空間與關係的再構建
如果說具體派是以熾熱的身體能量去賦予物質生命，那麼起源於20世紀60年代末的「物派（Mono-ha）」，則選擇了一條更為冷靜的哲學路徑。這一群體致力於探索自然物體與工業物體之間的原初關係，將「物」最原始的狀態呈現在空間之中。
「物派」藝術家與其說是在「創造」作品，不如說是對物體的再構建。他們關注作品與空間之間的相互依存性，通過對未經加工的石塊、木頭、鋼板等媒材的並置，挑戰並打破觀者對原有「物」之存在的慣性認知。這種創作目的不在於表現藝術家的主觀意志，而在於展現物體本身，從而與世界建立起一種全新的組合關係。
Lot 1866｜李禹煥（Lee U-Fan，生於1936年）《無題-1（Untitled-1）》石墨 紙 鏡框
創作時間：1988年
尺幅：38 x 56.7 cm
簽名與日期：藝術家簽名、年份
附東京畫廊發行之銷售證明書
來源：東京畫廊
出版：《畢業於「洞熊學校」的三人》Monogatari文化之會，1988年
估價：JPY 1,800,000 - 3,600,000（RMB 80,300 - 160,600）
作為物派的理論奠基人與靈魂，李禹煥的藝術軌跡深受其哲學背景的影響。1956年他在日本大學學習哲學，在深入吸收東方思想與西方現象學的精髓後，被引導走向了「物派」的探索之路。李禹煥在國際藝術界享有盛譽。
2010年，他與建築大師安藤忠雄合作的「李禹煥美術館」正式開館，釜山市立美術館也專門開設了「李禹煥畫廊」，足見其深遠的影響力。這件1988年的紙本石墨作品，畫面中克制的筆觸記錄了呼吸與時間的痕跡，每一道色塊都如同禪宗的修行，引導觀者在留白與物質的交界處，去體認存在本身的力量。
Lot 1868｜關根伸夫（Sekine Nobuo，1942-2019）《G60-26 虛實之金字塔（G60-26 The Pyramid of Reality and Illusion）》複合材料 鏡框
創作時間：1991年
尺幅：97.3 x 130.6 cm
簽名與日期：（背）藝術家簽名貼紙：作品名、藝術家簽名、年份
附日本洋畫商協同組合發行鑑定登錄證書
估價：JPY 1,200,000 - 1,800,000（RMB 53,500 - 80,300）
關根伸夫是日本當代極具影響力的雕塑家，也是「物派」美術團體的核心成員。其藝術足跡橫跨東京、洛杉磯與加利福尼亞，這種跨文化的視野使其創作在國際舞台上獨樹一幟。1968年，他的《位相-大地》被視為「物派」的開山之作，開啟了日本當代藝術史的新篇章。
在關根伸夫的創作邏輯中，核心在於探索自然材料與工業材料之間的「相遇」。「物派」藝術家們傾向於使用石頭、鋼板、玻璃、海綿、木材及電線等多樣媒材，並將其以幾乎未經改動、最原初的狀態進行安排。這種表達方式不僅僅關注材料本身，更重視這些元素之間的相互依賴，以及它們與周圍空間、環境的關係。
這件創作於1991年的《虛實之金字塔》，集中體現了關根對材料與空間互動的深刻思考。通過對金字塔這一經典符號的重構，挑戰並打破了觀者對原有「物」之存在的慣性認知，在極簡的形態中揭示了物質與空間依存的本質。
拍賣前後，上氏拍賣2026春拍當代板塊亦將與一音當代正在展出的大野公士《生與死的境界領域》個展形成聯動。展館由世界著名建築師安藤忠雄設計，進一步拓展藝術展覽與拍賣市場之間的交流與呼應。
上氏拍賣2026春季藝術品拍賣會
預展：2026/4/20-25
拍賣：2026/4/22-25
當代藝術專場：2026/4/25｜5pm（北京時間 4pm）
地址：大阪SoWAs拍賣中心