藝術之美，在於同樣的世界，到了不同藝術家眼中，便有截然不同的面貌。眼前風景、生活點滴，以至心底難以言說的情緒，都化作創作靈感，透過色彩與線條，牽動觀者的思緒。
香港蘇富比現當代藝術秋拍帶來一眾名家佳作，陣容橫跨歐美與亞洲，涵蓋逾一世紀藝術脈絡。從印象派巨匠莫內、雷諾瓦與後印象派先驅梵谷，到「巴黎畫派」名家常玉、夏加爾及莫迪里安尼，以至當代藝壇的草間彌生、奈良美智等，各以鮮明的藝術語言，展現不同時代的創作風貌。
領銜拍品為羅斯科《無題（洋李色及深棕色）》，乃這位抽象表現主師大師評價最高委託作品《禮拜堂畫作》的前奏巨構，同系列17幅畫作中僅4幅在私人收藏手中，
晚間及日間拍賣將分別於9月28及29日舉槌。乘此機會，讓我們細賞今季佳作，循著大師的創作足跡，探幽發微，領略箇中意趣。
馬克·羅斯科（Mark Rothko，1903-1970）《無題（洋李色及深棕色）》油畫畫布
創作時間：1964年
尺幅：236.5 x 193.5 cm
估價：HK$78,000,000 - 128,000,000
意大利佛羅倫斯斯特羅齊宮的大型馬克·羅斯科（Mark Rothko）回顧展於八月底正式閉幕，展覽盛況成為該基金會成立二十年來歷史上參觀人數最多的展覽。 承接這一股羅斯科熱潮，香港蘇富比榮幸呈獻藝術家評價最高的委託作品《禮拜堂畫作》之前奏鉅作《無題（洋李色及深棕色）》，為本季現當代藝術拍賣系列鳴鑼揭幕。
《無題（洋李色及深棕色）》繪於1964年，出自逐漸發展為宏大體系、現統稱為「黑色形體」繪畫的創作系列。這個系列包含17幅畫作，分為8幅無編號和9幅有編號的兩組作品（本作屬前者），獲公認為羅斯科發展出評價最高的委託作品《禮拜堂畫作》（1965年作）的過程中不可或缺的準備作品。
系列17幅作品中僅4幅仍由私人收藏，其餘畫作現為多間知名博物館永久館藏，當中包括華盛頓特區美國國家美術館、胡姆勒拜客路易斯安那現代藝術博物館、紐約大都會藝術博物館、巴塞爾貝耶勒基金會博物館、巴塞爾藝術博物館等。
位於德克薩斯州休斯頓、由約翰與多米妮克·梅尼爾伉儷創立的「羅斯科禮拜堂」，展出了馬克·羅斯科的17幅教堂繪畫作品。
「我們總傾向將馬克·羅斯科視為揮灑光線與色彩、撼動情感的魔法師，宛如一位存在主義式的馬蒂斯；然而，若能宏觀其創作全貌，便會發現暗黑乃其藝術樂章中不可或缺的基調——這正提醒著我們，對光芒的沉溺與追求，本就以洞悉暗影為前提。」
——戴維·安凡（馬克·羅斯科作品全集著者）
「黑色形體」系列標誌着羅斯科轉用深沉色彩的改變，透過在畫布上的幾何結構的佈局比例、表面質感和色彩進行實驗，最終煉成《禮拜堂畫作》的美學特質。在羅斯科的創作中，黑色和黑暗並非異數，而是他的作品中不可或缺的成熟藝術語彙。早在接受禮拜堂畫作的委託前，他已以系列形式對黑暗進行實驗。
羅斯科認為像洋李色和深棕色等較為陰鬱的色彩具有深刻的內省性，有助引導人進入沉思默想。這個想法很符合他晚年透過藝術追求超然境界的做法，並且見於「黑色形體」系列（1964年作）、《禮拜堂畫作》（1965年作），以及《黑於灰》系列（1969年至1970年作）等晚年作品。
本作展於〈The Spiritual in Art: Abstract Painting 1890–1985〉（巡迴洛杉磯縣藝術博物館、芝加哥當代藝術博物館、海牙市立美術館，1986年至1987年）
Image Courtesy: Los Angeles County Museum of Art (LACMA)
本作的展覽紀錄超卓耀眼，當中以〈The Spiritual in Art: Abstract Painting 1890–1985〉（巡迴洛杉磯縣藝術博物館、芝加哥當代藝術博物館、海牙市立美術館，1986年至1987年）最為突出，這場里程碑式大展將羅斯科置於現代抽象藝術和崇高美學的傳統脈絡中，讓他與傑克森·波拉克（Jackson Pollock）、賈斯培·瓊斯（Jasper Jones）、皮耶·蒙德里安（Piet Mondrian）等當代藝術巨擘並列。
1996年，本作亦在休斯頓梅尼爾收藏館舉行的特展〈Mark Rothko: The Chapel Commission〉展出，慶賀「羅斯科禮拜堂」誕生廿五週年。
草間彌生（1929-2026）《南瓜（TWPOT）》壓克力畫布
創作時間：2010年
尺幅：130 x 162.5 cm
估價：HK$48,000,000 - 68,000,000
2026年8月，當代巨匠草間彌生逝世，全球藝壇懷緬之際，我們也以其經典代表符號南瓜回顧她的傳奇生涯。
草間彌生在日本中部的松本長大，家業營運種子農場的富商，她自幼便與南瓜形影不離。早在1940年代，作為她的「人生的伴侶」，南瓜就開始融入她的創作中。南瓜溫柔的形體撫慰了她的心靈，除了是她慰藉的源泉，更成為她的另一個自我，擁有極高的藝術代表地位。
1993年，草間作為日本代表參與第45屆威尼斯雙年展，南瓜裝置藝術一鳴驚人，驚艷藝壇，為其迅速步上殿堂之路鋪下紅毯。
《南瓜（TWPOT）》繪於2010年，正是草間舉辦備受推崇的泰特現代美術館和索菲亞王后國家藝術中心博物館的國際回顧展（2011-2012年）的前一年，見證了其職業生涯數個重要里程碑，當中包括草間參加了在名古屋舉辦的首屆愛知三年展，其極具職涯意義的標誌性裝置作品《無限鏡屋——陽具田野》被著名的鹿特丹博伊曼斯·範·伯寧根博物館納入收藏。
《南瓜（TWPOT）》的罕見金橙配色使畫作在標誌性南瓜主題作品中脫穎而出，加上畫作的宏大尺幅，無疑提升作品稀缺性，突顯其獨有吸引力。
本作在2019年的蘇富比當代晚間拍賣會上以5,450萬港元（690萬美元）價格成交，創下了當年草間彌生南瓜畫布作品的最高成交價紀錄，力證其卓越品質。
草間彌生（1929-2026）《南瓜》壓克力畫布
創作時間：1990年
尺幅：22.7 x 15.8 cm
估價：HK$2,500,000 - 3,500,000
奈良美智（1959年生）《冰島的板條箱房/間繪畫室》複合媒材、壓克力木板、97 幅紙本繪畫、CD 播放機、兩張小椅子、一個紙杯、一條延長線、一對燈泡連電線
創作時間：2009年
尺寸：整體 206 x 229 x 207 cm；板條箱 181.5 x 220 x 170 cm；壓克力木板 170 x 220 cm
估價：HK$45,000,000 - 65,000,000
奈良美智創作的《冰島的板條箱房間/繪畫室》在2009年於冰島雷克雅未克卡瓦爾美術館舉行的特展展出後，時隔十七年在本月初於台中、台北舉辦的巡迴預展中再度亮相，吸引眾多奈良美智的粉絲到訪，為親睹奈良匠心，輪候觀賞人龍一度圍繞華南銀行國際會議中心一周，可謂盛況空前。
本作出自奈良在2005年開展的板條箱系列，系列中連同本作已知的七件作品皆採用相近的方式呈現，將奈良的繪畫、雕塑置於運送貨物的板條箱內，讓觀眾透過箱子上的翻蓋窗戶和洞口觀賞箱內的作品，刻意顛覆傳統「白立方」藝廊那種超然的展示形式，營造讓人親密地窺視的觀感體驗。
作品採用真正用於貨運的板條箱製作，作為運輸途中保護藝術品的木箱，板條箱搖身一變成為實際容器兼展示結構的一部分，模糊了運輸物流、倉存和完成作品之間的界線。
板條箱內97幅獨一無二的繪畫、椅子、CD播放器等道具，以及一併展示的巨型木板畫作，一同整合出如同奈良美智揮灑創意的工作室，甚至乎重現藝術家天馬行空的內心世界。
此外，繪畫作品主題豐富多樣，包括活潑好動的孩童、擬人化角色、房子、水窪、山巒等，本作可謂囊括了奈良最具代表性意象的完整圖鑑。
喬治·康多（George Condo，1957年生）《動態群像》壓克力、炭筆及粉彩於亞麻布，藝術家原裝框
創作時間：2013年
尺幅：150.5 x 160.5 cm
估價：HK$24,000,000 - 40,000,000
《動態群像》為喬治·康多心理立體主義創作的典型例子，透過受畢卡索啟發立體派繪畫手法，將聚首一堂的熱鬧情景與多重心理狀態錯綜複雜地堆砌在一起。
畫作創於2013年，標誌着康多職業生涯與個人韌性的關鍵之年。本作見證了康多首次參加威尼斯雙年展，並在雙年展中獲重點展示。同年，康多也獲得了紐約工作室學院的正式表揚。
此外，本作繪於康多2013年從軍團病中康復期間，畫面奔放的色彩和蓬勃的活力賦予了作品一種慶祝的愉悅感，象徵着戰勝病魔和重獲新生。繼喬治·康多於去年在巴黎現代藝術博物館舉辦的職業生涯回顧展之後，豪瑟沃斯畫廊宣布將於2027年為康多舉辦兩場大型展覽，凸顯了他對全球藝壇的持續性影響力以及藝術機構對其作品的青睞。
亞德里安·格尼（Adrian Ghenie，1977年生）《無眼簾》油畫畫布
創作時間：2016年
尺幅：76.2 x 56 cm
估價：HK$5,000,000 - 8,000,000
《無眼簾》源自於亞德里安 · 格尼自 2015 年發起的致敬梵谷自畫像系列。格尼對梵谷的痴迷可追溯至其童年記憶——當時他在一本名為《文森·梵谷的悲劇一生》的雜誌文章中，首次看到了巴黎奧賽博物館館藏的1889年梵谷自畫像（以黑白插圖呈現）。
直至1998年，格尼終於在奧賽博物館親眼瞻仰了這幅原作，並被梵谷那穿透人心、凝重堅毅的目光深深震撼。
文森·梵谷 《自畫像》，1889年作，巴黎奧賽博物館館藏
格尼對梵谷的致敬並非單純的視覺摹仿，而是將其作為一個歷史透鏡，藉以審視納粹黨當年對所謂「頹廢藝術」（Degenerate Art）的大規模清剿與清洗——梵谷的多幅名作亦不幸名列其中。
在希特勒最終確定的「頹廢藝術」官方黑名單中，便赫然包括了一幅原藏於慕尼黑巴伐利亞國家繪畫收藏館的梵谷自畫像。
本作近乎真尺幅的畫面設定 ，恰如一面引人凝視的鏡子。畫中人物那穿透人心、極具心理壓迫感與震撼力的凝視——將格尼自身的面容與梵谷交融疊加感——賦予了畫面動人的張力：畫中人、梵谷與格尼三者的目光在這一刻重合，近距離回應著觀者的視線，將整幅作品的心理效應與情緒張力烘托至頂峰。
馬克·夏加爾（Marc Chagall，1887-1985）《農村戀人》油畫、蛋彩、彩墨及木碎畫布
創作時間：1971年
尺幅：115.5 x 81 cm
估價：HK$22,000,000 - 32,000,000
馬克·夏加爾作為「流浪的猶太人」的經歷，深刻地塑造了他的藝術語言。《農村戀人》創作於1971年，畫面極具生命力，匯集了夏加爾藝術生涯中最具代表性的主題：一對戀人、盛開的花束、動物、維捷布斯克的城鎮景致、樹木，以及背景中的村民。
作品透過夢幻般的繪畫語言，展現了定義其藝術風格的豐富想像力與詩意幻想。
與夏加爾許多描繪戀人在空中相擁相依的畫作不同，《農村戀人》中的主角貼近並立著，但並未觸碰對方，男子微微傾身靠近女子；儘管雙方目光並未交會，卻害羞地向彼此獻上花束。他們帶著試探性的互動，捕捉了戀愛初期的羞澀與柔情，或許正反映了夏加爾對自己與第一任妻子貝拉·羅森費爾德在維捷布斯克初戀時光的追憶。
常玉（1895-1966）《草原五馬》油畫畫布
創作時間：1931年
尺幅：45 x 81 cm
估價：HK$20,000,000 - 45,000,000
根據《常玉 生平與油畫全集》所記載，常玉筆下已知的87幅以動物主題的油畫中，物種包羅萬象，而畫馬的作品則佔據大多數的35幅，最早一例以馬戲團木偶的形象在1926年一作中初現，而《草原五馬》創於1931年，是最早的一幅群馬構圖，亦是唯一一幅描繪五匹馬的作品。
本作以精簡洗練的用色為主：常玉僅用湖水綠大幅塗抹茫茫無際的草原背景，上方一抹暖白成就雲淡風輕的天際，將畫面分割為二段式的色彩層次，隱隱呼應著西方二十世紀初現代主義所追求的幾何抽象以及純粹色彩，同時亦透現著東方虛靜美學的留白概念。
而在厚重的湖水綠顔料上，常玉以刮描的手法畫出曼妙的線條，一氣呵成、乾脆利落地描摹群馬的造型，讓駿馬的姿態神氣威武，體現藝術家酣暢淋漓的創作方式。
武高談（1908-2000）《花園雅敘》水墨水粉絹本
創作時間：1939年
尺幅：85.6 x 114.5 cm
估價：HK$8,000,000 - 19,600,000
《花園雅敘》可謂武高談早期藝術生涯中最具代表性的傑作，也是目前已知其最大尺幅的多人物絹本作品。其宏偉的規模、豐富鮮明的色彩以及充滿詩意的浪漫氣息備受藏家青睞。
畫中五位衣著優雅的女性齊聚花園而坐，她們身穿色彩各異且鮮豔奪目的越南傳統服飾「奧黛」，藉由各自鮮明的色彩展現其個性與自信風采。
本作曾為蘇富比2008年里程碑式專場拍賣《重要越南繪畫珍藏：伍福樑收藏》中的領銜拍品，自此之後一直由私人收藏，如今近二十年後重現拍場，十分難能可貴。
克勞德·莫內（Claude Monet，1840-1926）《海景》油畫畫布
創作時間：1882年
尺幅：54.1 x 65.5 cm
估價：HK$8,000,000 - 12,000,000
1881至1882年間，克勞德．莫內展開了一系列有系統的戶外寫生創作，足跡遍及法國諾曼第海岸的費康、普維爾與埃特勒塔等地；而《海景》正是創作於此時期的作品之一。
諾曼第以壯麗的懸崖地貌、多變的天候以及遼闊的北大西洋景觀聞名，為莫內提供了理想的創作場所。他會在固定地點以相同視角創作，持續觀察並記錄不同時刻光線與大氣條件的細微變化。
這種以同一主題反覆描繪光影變化的創作方法，日後發展成其著名的《乾草堆》、《盧昂大教堂》與《睡蓮》等系列作品的重要基礎。莫內運用迅捷且充滿活力的筆觸，描繪空氣的流動、海浪的翻湧以及閃爍的海水表面，將多變的天候、潮汐與海水運動轉化為極具感染力的印象派視覺語言，使畫面充滿生動的節奏感與自然力量。
吳冠中（1919-2010）《公園裡的風箏》油畫畫板
創作時間：2003年
尺幅：45.6 x 61 cm
估價：HK$2,000,000 - 6,000,000
2003年作《公園裡的風箏》創作於藝術家千禧年之後的晚期鼎盛階段，完美體現了吳冠中名震畫壇的美學核心理論——「風箏不斷線」。
藝術家曾於《香山思緒》中精闢指出，風箏象徵著源自生活母體的創作靈感與形式美的抽象探索；風箏飛得越高、形式越抽象，固然越具美感，但絕不能「斷線」，亦即藝術切不可割裂與現實生活及大眾情感的紐帶。
畫中繽紛翱翔的風箏，將畫面形式推向「似與不似之間」的抽象邊緣，卻依然保留著一根無形卻堅韌的「情感纜線」——精妙地喚起觀者在公園漫步時仰望晴空、放飛風箏的真摯記憶。這種將高深抽象形式與真摯現實情感緊密相連的造詣，為本作賦予了極高的美學價值。
郝量（1983年生）《秋江漁隱》重彩絹本
創作時間：2019 年
尺幅：139.6 x 376.6 cm
估價：HK$11,000,000 - 16,000,000
《秋江漁隱》創作於2019年，曾於同年在上海震旦博物館舉辦的〈郝量：闢雍〉展覽展出，是80後藝術家郝量山水創作探索中極具代表性的絹本巨製。
作品借用中國傳統文人畫中「漁隱」的經典母題，將當代都市景觀與古典山水意象並置交融，建構出一個遊走於現實與想像之間的世界，借山水之形追問當代人的精神歸處。
本作不僅確立了藝術家延續至今的繪畫語言與色彩體系，亦充分展現絹、墨與礦物顏料獨特的材質魅力。作品曾於重要美術館展出，亦為其自2013年起山水探索階段劃下句點。
仇曉飛（1977年生）《綠與繩》壓克力、複合媒材於畫布，裱於木板
創作時間：2013年
尺寸：164.6 x 201 x 25 cm
估價：HK$2,500,000 - 4,000,000
2013年是仇曉飛創作生涯的重要分水嶺。這一年創作的《綠與繩》，標誌著藝術家走出早年對懷舊圖像及個人成長經驗的描摹，將焦點轉向繪畫語言與創作過程本身。
畫面中強烈的色彩碰撞、揮灑與滴淌的筆觸，打破其過往作品中克製而平衡的視覺秩序；木頭、麻繩等現成材料的引入，則進一步拓展了繪畫與材料之間的表達可能。
同年於上海民生現代美術館及北京公社舉辦的個人展覽，見證了仇曉飛創作方向的轉變。《綠與繩》正誕生於這段時期，展現其由個人記憶書寫轉向集體潛意識探索的創作路徑，並進一步挖掘形狀、色彩與繪畫行動本身所蘊含的表現潛能，以及創作過程中的即興與不確定性。
西村有（1982年生）《夜間》油畫畫布
創作時間：2022年
尺幅：162 x 194 cm
估價：HK$500,000 - 1,000,000
西村有《夜間》首度上拍，同時也是其群像畫作首呈拍場。西村有的肖像畫是他備受追捧的主題之一，但熱度仍不如他的戶外人物風景。在藝術家拍賣成交價最高的三幅作品中，便有兩幅是以他筆下的人物置身於野外為主題。
這幅夜景畫作讓人聯想到多幅戶外聚會的名作，包括馬奈的《草地上的午餐》和修拉的《大碗島的星期日下午》。畫作邊緣隱約可見的停泊的自行車，暗示聚會經歷悉心安排，彷彿畫中人必須從遠方他處前來此僻靜之地赴約。然而，他們之間的疏離感營造出一種緊張氛圍，他們到底是在沉思冥想，還是在等待最後一位參與者——觀者——的到來，從而完成整個場面的意境。
自去年卓納畫廊宣佈代理西村有後，藝術家的動向便獲得高度關注。在今年10月，西村有將於巴黎老佛爺百貨前瞻基金會舉行首個在歐洲的機構級大型個展；同時，他的作品現正於邁阿密魯貝爾美術館展出，展期至今年秋季。
更多現當代日拍精選
皮耶·奧古斯特·雷諾瓦（Pierre-Auguste Renoir，1841-1919）《戴草帽的少女》油畫畫布
創作時間：1884年
尺幅：65.6 x 54.4 cm
估價：HK$10,000,000 - 15,000,000
1880年代初，雷諾瓦自述「已耗盡了印象派的可能」，毅然告別對瞬息光影的追求，轉向安格爾式的精準線條與古典結構，開啟其藝術生涯最關鍵的「嚴肅時期」。1884年創作的《戴草帽的少女》正誕生於這場靜默革命的巔峰。
畫中少女戴一頂寬邊草帽，上衣自一側肩頭滑落，膚色瑩潤如珠，線條落筆從容。雷諾瓦以精確的輪廓與沉穩的體量感，將提香式文藝復興的古典韻味注入其中。
作品超越了單純的女性肖像，她不是一個瞬間，而是對女性本身的沉思。畫中人物沐浴於包覆性的海濱夏日微光之中，奶油色、金色、玫瑰色與蔚藍色調的細膩諧調，渲染出一種深邃寧靜的氛圍，將瞬息的女子昇華為靜穆、永恆的「理想女性」化身——既具感官之美，亦臻古典大理石般的精神高度。
馬克·夏加爾（Marc Chagall，1887-1985）《劍蘭》水粉、水彩、粉彩及彩色蠟筆紙本
創作時間：1950年
尺幅：65 x 50.7 cm
估價：HK$2,500,000 - 4,500,000
走出二戰流亡美國的陰霾與摯愛驟逝的悲痛後，夏加爾重返法國，於1949年定居南法旺斯的別墅。地中海的明媚陽光撫平了他的身心，更開啟了一段創作力極度旺盛的金色時期。
熾熱如劍的劍蘭花是夏加爾藝術生涯的核心主題，亦深受印象派及現代大師青睞。其花朵沿著花莖向上層層綻放，如雙刃劍般的葉片更象徵「愛意刺穿心扉」，寄託著熾熱深沉的情感。
在1950年創作的《劍蘭》中，畫面中央為盛放的花束，兩側擺放著色彩誘人的鮮果與果籃，鋪陳出夢幻迤邐的色調。畫面左側浮現標誌性的「飄浮戀人」，右側則陪伴著憨態可掬的靈獸。成雙成對的情侶與蓬勃靜物交相輝映，深刻寄託了藝術家對生命美滿、富足與真摯相伴的期盼。
文森·梵谷（Vincent van Gogh，1853-1890）《農婦側面肖像（左側）》粉筆紙本
創作時間：1884年12月至1885年5月
尺幅：34.3 x 21 cm
估價：HK$3,000,000 - 5,000,000
本作品為梵谷早期傑作《吃馬鈴薯的人》（1885年4月-5月）的重要前奏。《農婦側面肖像（左側）》屬於梵谷於1884年12月至1885年5月在尼嫩創作的十七幅無簽名紙本頭像習作之一。畫中人物的顯著特徵與多次為梵谷擔任模特兒的德·格魯特極為相似。
這批作品並非大型創作的預備草稿，而是作為獨立的畫作呈現，記錄了尼嫩農民獨特的面貌特徵。受當時流行、現今被視為偽科學的面相學（即認為面部特徵反映個人性格）所驅使，梵谷刻意挑選最具表現力的模特兒進行密集鍛鍊，最終在1885年春季促成了其第一幅繪畫傑作《吃馬鈴薯的人》的誕生。
梵谷現存的紙本作品在市場中堪稱極罕之珍，80%至85%均由全球各大美術館及公立機構永久典藏；據估計，現今留存於私人收藏手中的紙上作品全球僅約200幅，而過去十年間於國際拍賣市場上流通更僅有約30幅，足見其絕無僅有之典藏價值。
亞美迪歐·莫迪里安尼（Amedeo Modigliani，1884-1920）《側面頭像》蠟筆紙本
創作時間：約1910至1911年
尺幅：42.2 x 25.9 cm
估價：HK$2,000,000 - 3,000,000
1909至1914年間，受康斯坦丁·布朗庫西的深刻啟發，莫迪里安尼一度近乎完全摒棄繪畫，轉而全身心投入石雕創作，這一段時期如今被公認為其藝術生涯中最具原創性的黃金篇章。
《側面頭像》正誕生於此關鍵時期，宛如將其雕塑性思維直接投影於紙上。
畫作中女子秀挺的鼻樑、修長的面頸、杏仁狀的雙眼與細致的唇角，以及如一串浮雕珠鍊般垂於耳側的圖案化編髮，無不彰顯出莫迪里安尼對古老非洲及亞洲文化的深厚沉醉，更展現其將面部特徵淬鍊為洗鍊優雅線條的標誌性造詣。整座頭像幾乎由一條連綿不絕、流暢細膩的輪廓線勾勒而成，極致展示了莫迪里安尼駕馭線條與造型結構的大師風範。
安尼施·卡普爾（Anish Kapoor，1954年生）《無題》青銅、漆
創作時間：2014年
尺寸：135 x 135 x 22 cm
估價：HK$2,500,000 - 3,500,000
這件創作於2014年的盤狀作品屬於安尼施·卡普爾備受讚譽的凹面鏡系列，該系列創作始於 1990 年代末。作品高度打磨且具強反射力的表面透過打破觀者的感知取向，將其引入沉思狀態，並促使人們重新審視空間體驗。黃金與白銀色調的圓盤是此系列中最受歡迎的色彩選擇。
2026年對卡普爾而言確實是備受矚目的大年，在全球範圍內迎來多場重要回顧展與大型重磅展，包括倫敦海沃德美術館（Hayward Gallery, London），威尼斯曼弗林宮（Palazzo Manfrin, Venice）等。
克里絲汀·艾珠（Christine Ay Tjoe，1973年生）《為什麼離棄我 3 → 2 #03》油畫畫布
創作時間：2010年
尺幅：170 x 199.3 cm
估價：HK$1,500,000 - 3,000,000
克里絲汀·艾珠是享譽全球且最具市場號召力的東南亞當代藝術家。今年（2026年）3月，她的作品再次刷新了其個人拍賣最高紀錄。此作品出自艾珠極為關鍵且具里程碑意義的「以馬內利俱樂部」系列並曾於2015年在首爾松恩藝術空間舉辦的藝術家個展「Christine Ay Tjoe: Perfect Imperfection」中展出。
該系列不僅是艾珠藝術創作生涯的核心轉捩點，也是其個人精神探索旅程中極具定義性的重要章節。
2010年是連結艾珠早期線圖式與後續極為密集、飽滿的「層疊」系列（2011-2012年）之間的關鍵橋樑。2010年創作的作品展現出一種罕見的平衡：濃烈、帶有質感的油畫棒被開闊、呼吸感十足的背景留白所環繞。正是在這一年，艾珠擁抱了豐富色彩與更具爆發力的抽象語言。
拍賣詳情
拍賣行：香港蘇富比
預展日期：
2026/9/22 - 25｜11am - 7pm
2026/9/26 - 28｜11am - 6pm
2026/9/29｜11am - 12pm（僅現代藝術及當代藝術日間拍賣）
專場：現當代藝術晚間拍賣
拍賣日期：2026/9/28｜6:30pm
專場：現代藝術日間拍賣
拍賣日期：2026/9/29｜12pm
專場：當代藝術日間拍賣
拍賣日期：2026/9/29｜3pm